Parada Crítica

J. Edgar (J. Edgar)

2012-01-31T12:30:00.000-02:00

Cinebiografias são mais interessantes quanto mais se conhece o personagem retradado. Infelizmente, o personagem do novo filme de Clint Eastwood não é muito conhecido por nós brasileiros. John Edgar Hoover foi o primeiro diretor do FBI, a polícia federal investigativa dos Estados Unidos. Foi o responsável por tornar o bureau o que ele é hoje, e ocupou o cargo até sua morte. Suas ações foram sempre polêmicas, das visionárias metodologias de estudo criminal - hoje padrões em quase todo o mundo - às demonstrações ferozes de autoridade e, no ponto em que o filme de Eastwood evita a discussão, mas deixando claro sua posição, sua homossexualidade.

Um ponto forte nesse argumento é o fato do roteirista ser Dustin Lance Black, conhecido por filmes em que homossexuais tem o papel de destaque, como Milk, com Sean Penn. O Hoover retratado por Eastwood e Black não revela sua preferência, mas também não esconde na esfera privada que o filme mostra. E essa tinta permeia toda a fita, aliada à fotografia em tons levemente mais baixos, no estilo que o diretor gosta quando faz filmes de época como este.

Eastwood seleciona bem seu elenco. A escolha de Leonardo DiCaprio para o papel principal, num primeiro momento, poderia parecer leviana. Mas DiCaprio prova o que já falei outras vezes, que ele é um bom ator quando é bem dirigido. Neste caso, está excelente. Não apenas ele trabalha muito bem a linguagem corporal e as flexões de voz, como incorpora trejeitos que tornam sua caracterização bastante realista. É acompanhado de perto pela sempre muito boa Naomi Watts, pela inigualável veterana Judi Dench, e pelo novato Armie Hammer - que interpretou os gêmeos Winklevoss em A Rede Social. Todo o elenco está bem, cada um com suas nuances. E ajuda muito o trabalho primoroso da maquiagem, que os torna idosos com um nível de detalhes nunca visto.

O ritmo do filme é um ponto muito interessante. Como nos últimos filmes de Eastwood, não há um começo lento. Já nos créditos os diálogos importantes aparecem. Aqui, além disso, á uma forma de trabalhar as mudanças e as idas e voltas da história de maneira que em nenhum momento o filme cai. Parece que cada cena é primordialmente importante. É mais um filmaço de Clint, embora para nós ele não tenha tanta força quanto para quem conviveu com pelo menos a sombra da história de um personagem importante como Hoover.

Medianeras - Buenos Aires na era do amor virtual (Medianeras)

2012-01-28T18:30:00.000-02:00

Quem acompanha o cinema fora das muralhas hollywoodianas provavelmente conhece e admira as produções argentinas. Comédias bem trabalhadas, dramas bem escritos, sempre histórias profundamente baseadas em roteiro e personagens, com uma grande influência europeia. Não sei como anda o ritmo de produção por lá hoje por conta da crise deles, mas historicamente eles produzem bem mais que nós, e já tem um mercado bem avançado, mesmo para o cinema alternativo. Da última vez que li uma pesquisa sobre o assunto, a proporção de poltronas em cinemas em relação à população deles era mais que três vezes maior que a nossa. Um cenário propício, salvo a tal crise, para produções interessantes.

Que, como sempre, chegam atrasado aqui no vizinho Brasil - ou nem chegam, na maioria das vezes. Medianeras, o longa de estreia do cineasta Gustavo Taretto, foi lançado em setembro passado, nos festivais daqui, e agora apareceu em uma sala de um complexo alternativo. Vale à pena. Taretto, que escreveu, produziu e dirigiu o longa, mostra um olhar certeiro nas pequenas coisas que deixamos passar, mas que reconhecemos facilmente. O monólogo inicial, que relaciona a arquitetura de Buenos Aires com o estado de espírito da população, poderia ter sido dita por um paulista ou por um carioca, mas encontra aprovação em qualquer um que já visitou uma grande cidade brasileira.

A história gira em torno de Martín e Mariana, duas jovens ilhas cercadas de gente por todos os lados, separados pelas respectivas paredes inúteis dos seus prédios - as medianeras do título. À sua maneira, cada um conta como vive, e como chegaram àquela situação, em um vai e vem de narrativas em que eles sempre se encontram, sem se conhecer e sem saber que o outro esteve lá. Ao contrário do que faria uma comédia romântica de Hollywood, esses encontros são sutis e nunca dão em nada. Suas respectivas visões da cidade, e dos micromundos que são seus apartamentos, é tão complementar quanto oposta. E por isso mesmo o vai e vem de narrativas torna-se um diálogo curiosamente feito de monólogos. É isto, e a atuação dos protagonistas Javier Drolas e Pilar López Ayala, ele um novato, ela uma jovem veterana das telonas, tendo inclusive estrelado a produção hispano-brasileira Lope.

Medianeiras é daqueles filmes feitos com pouquíssimos ingredientes, mas muito, muito bem aproveitados. Divertido e tocante, leve e agradável. Cinema pela beleza de se contar bem uma história interessante. Como sempre recomendo nesses casos, se você tem a sorte de tê-lo passando em um cinema por perto, vá assistir. Se não, torça para que chege logo às locadoras. Muito recomendado.

Os Homens que Não Amavam as Mulheres (The Girl With The Dragon Tatoo)

2012-01-27T14:30:00.000-02:00

Quando o cara é bom, o cara é bom. Temos que reconhecer: David Fincher não cometeu muitos erros na sua carreira. Nos oito últimos filmes que dirigiu, há apenas um mais fraquinho, O Quarto do Pânico, que ainda assim não é de todo ruim. E tem muitos acertos que mais que compensam essa derrapada, incluindo a obra prima O Curioso Caso de Benjamin Button. Sua versão de Os Homens que Não Amavam as Mulheres, a primeira história da trilogia Millenium, do escritor sueco Stieg Larsson, é excelente.

Tive o prazer de ler toda a trilogia, muito bem escrita por sinal. Tive a chance de assistir também o primeiro filme na versão sueca - os outros, sabe-se lá por que, não foram lançados aqui, nem em DVD. O filme sueco, curiosamente, é fraco. Bem fraco, aliás. Pouco do clima do livro é resgardado, o que é uma pena. Então fiquei animado ao saber que Fincher faria a versão hollywoodiana. Felizmente, estava certo, supera com larga vantagem o sueco, num novo exemplo de versão, não de remake, já que as mudanças entre um filme e outro são muitas e claras. A maioria das mudanças em relação ao livro é compreensível e apreciada para a telona, mas não todas. Correndo o risco de cair em um spoiler aqui, não gostei de ver algumas coisas do segundo livro já ditas no primeiro filme, nem da forma como a relação Salander-Blomkvist se desenvolve - faltam coisas essenciais para a confiança que Mikael consegue conquistar em Lisbeth, e que é crucial para a história que segue nos livros seguintes.

Inicialmente não fiquei muito satisfeito com Daniel Craig no papel principal, mas sou obrigado a dar o braço a torcer. Salvo o fato de que ele é um tanto mais atlético que o personagem do livro, todo o resto ele faz muito bem. Mas, claro, é Roonei Mara quem domina. E não se enganem, as incríveis mudanças físicas exigidas para a personagem não adiantariam nada com uma atuação fraca. Não apenas Mara realmente colocou todos aqueles piercings, ela também vestiu completamente a pele de Lisbeth Salander. Tudo que falta à personagem, falta ao roteiro - as mudanças que citei no parágrafo anterior. É preciso fazer justiça, entretanto, a Noomi Rapace, a melhor coisa da versão sueca. Ajuda muito esta versão também o fato de que todo o elenco de apoio foi escolhido com cuidado. Do excelente Christopher Plummer ao sueco Stellan Skarsgård, passando por Steven Berkoff e Robin Wright, todos estão bem.

O melhor da fita, entretanto, é o clima e o ritmo que Fincher imprime, capaz de manter a surpresa mesmo para quem lembra vividamente do livro, além de manter o espectador grudado na poltrona. A fotografia acinzentada e a edição acurada são ótimas, e a trilha, pesada demais para o meu gosto musical, encaixa perfeitamente bem. Mal posso esperar pelos próximos.

Sherlock Holmes - O Jogo de Sombras (Sherlock Holmes: A Game of Shadows)

2012-01-14T18:00:00.000-02:00

Todo mundo sabia, no final do primeiro filme de Guy Ritchie com Sherlock Holmes, que haveria um segundo. Aparentemente, foi uma exigência do estúdio, e inclusive adiantaram a produção de Jogo de Sombras para conseguirem manter o elenco. Guy nem mesmo teve tempo de fazer outro filme, o que é uma pena. Mas parece ter valido a pressão. Parafraseando o próprio filme, com algumas aparas ainda soltas, o resultado deste é levemente superior ao primeiro.

Novamente, se você conhece o Sherlock Holmes dos livros de Sir Arthur Conan Doyle, guarde muito pouco das personalidades e descrições físicas. Apesar das várias referências às várias histórias, o Sherlock Holmes que vemos aqui é outro personagem, quase completamente. Uma das pontas soltas, por exemplo, é a falta do Inspetor Lestrade, que sempre faz um contraponto bastante cômico com Holmes ao apresentar suas teorias diametralmente opostas à realidade que o detetive depois revelará. Ritchie, entretanto, acertou o ritmo, fazendo um interessante filme de ação, com uma edição sensacional, e um trabalho de produção primoroso. A escala cromática reforçou ainda mais os tons de cinza do primeiro, e os múltiplos indícios de um jogo de xadrez, muitas vezes ocultos, ficaram bastante bons.

Robert Downey Jr. repete seu papel com a desenvoltura de sempre, aproveitando-se das liberdades criativas dos roteiristas sobre o personagem original para imprimir comédia no tom certo. Jude Law, por sua vez, sobe também um tom, com um Dr. Watson já profundamente marcado por seu longo tempo ao lado do amigo. Três adições importantes ao elenco merecem destaque. Primeiro, Noomi Rapace, que, se você conhece, provavelmente é da versão sueca de Os Homens Que Não Amavam As Mulheres. Ela está ótima, como também está Jared Harris com seu Professor Moriarty. Mas a melhor participação vai para o sensacional Stephen Fry como Mycroft, irmão de Sherlock, também aproveitando bastante as liberdades da história para exercitar o humor.

Como o primeiro, é um filme divertido, com cenas belíssimas e bem produzidas, capaz de conquistar o público. Particularmente, senti falta de um pouco mais do Holmes detetive, com suas deduções incríveis, mas aceito que para efeito desse tipo de produção um Holmes mais ação funcione.

O Espião Que Sabia Demais (Tinker, Tailor, Soldier, Spy)

2012-01-13T13:30:00.000-02:00

Tenho uma confissão a fazer. Algo difícil de admitir para um amante de livros tanto quanto de cinema. Nunca li nada do John le Carré. Sempre soube que seus livros são ótimos, que mostrar uma visão bem diferente - e, pelo que sei, mais realista - do serviço de inteligência britânico, em contraste com o a moralidade imbatível e as cenas de ação e romance do James Bond de Ian Fleming, e que seu estilo de escrever é delicioso. Nunca li. E preciso corrigir isso o quanto antes. Infelizmente, não podia esperar para assistir o que está sendo considerado a melhor adaptação cinematográfica de uma de suas obras, O Espião Que Sabia Demais - tradução blasé que, desta vez, não é culpa da distribuidora brasileira, mas sim da editora brasileira que traduziu o livro bem antes do filme.

O próprio le Carré participou como produtor executivo, então podemos esperar que as liberdades criativas que certamente houveram foram com o seu aval. A direção foi entregue ao sueco Tomas Alfredson - e aí outra confissão, também não assisti ainda Deixa Ela Entrar, só encontro a versão norte-americana nas locadoras, e faço questão de ver a original primeiro. Alfredson usou muito bem o esquema de idas e vindas na história para montar o cenário, e a fotografia meio lavada funciona muito bem para ambientar a trama, melhor até que a excelente produção de cenário. A opção de trabalhar as câmeras quase sempre à meia distância, como se o espectador estivesse espionando a cena, foi também sublime.

O elenco, quase todo masculino, foi escolhido com cuidado. Gary Oldman, no papel principal, faz provavelmente a melhor atuação da sua carreira. Colin Firth e Mark Strong estão muito bem, embora ambos já tenham estado melhor em outros filmes. Benedict Cumberbatch e Tom Hardy fazem bons papéis, com personagens quase opostos, e vários nomes veteranos como John Hurt, Ciarán Hinds e Toby Jones fazem ótimas participações.

O filme se passa como imagino que o livro também.Só descobrimos as coisas aos poucos, e até o momento em que o tal espião é de fato revelado, todos são suspeitos. É um filme de diálogos cuidadosos e movimentos idem, como se qualquer ato tivesse que ser exaustivamente pensado. Não chega a ser um filme tenso, mas definitivamente nos deixa grudado na poltrona à espera da próxima revelação. Recomendadíssimo.

Imortais (Immortals)

2012-01-12T18:30:00.000-02:00

Eu sempre gostei muito da mitologia grega. Quando criança, lia tudo que via pela frente sobre o assunto - nos tempos pré-internet não era tão simples encontrar referências. Sabia várias das histórias de cor, e sabia inclusive relacionar os nomes dos deuses gregos com os romanos. Desnecessário dizer que adorava também os filmes com o tema, quase todos um tanto trash na época, como o saudoso Fúria de Titãs. Pois se você, como eu, se interessa pelo assunto, uma recomendação: antes de assistir Imortais, simplesmente esqueça tudo. Ignore as aventuras, as relações entre os personagens, as origens, a personalidade. Esqueça. Imortais bebe numa falsa fonte mitológica, pegando apenas alguns nomes e nada mais.

A produção é excelente. Tons de laranja e dourado dominam a fotografia, supercloses para todos os lados - ao ponto do exagero - e cenários virtuais muito bem feitos. Cenas de ação usando o efeito propagado por Zack Snyder com seus 300 e Watchman, e usados também por Guy Ritchie em alguns de seus filmes, incluindo Sherlock Holmes. Efeitos especiais bem aplicados, cuidado no figurino e na maquiagem. Tudo para ser um grande épico.

Mas, além do fato de que não usa nada das já fantásticas histórias da mitologia grega apesar de usar os personagens, tudo acontece muito rápido, mas ainda assim sem ritmo. Tarsem Singh, em seu terceiro longa, tenta construir um estilo de narrativa fanstástica, que já mostrou no seu primeiro A Cela - que dividiu opiniões entre o bastante bom e o ingenuamente pretensioso - e com o segundo The Fall. Mas é preciso mais do que abusar de efeitos especiais para criar uma marca. Apesar do elenco bem escolhido, com grandes nomes como Mickey Rourke e John Hurt juntanto-se a novatos talentosos como Stephen Dorf e Freida Pinto, e a novos rostos como o futuro Superman Henry Cavill, a história parece sofrer de estrutura.

Singh, e os irmãos roteiristas Parlapanides, tentaram dar um contexto ao herói Teseu - que, nunca é demais falar, não tem nada a ver com o personagem mitológico da história do labirinto - mas não conseguem. As cenas de ação são muito boas, com alguma violência gráfica desnecessária, mas os interlúdios dramáticos, e a pífia tentativa de incluir um romance “proibido”, levam o filme para baixo. Não ajuda também o desfile de moda conceitual dos deuses. É preciso mais para fazer um filme grandioso. E, se vai inventar sobre personagens já tão bem estruturados como os da mitologia grega, que faça direito. Singh já está com outra produção em andamento, uma das duas adaptações da história da Branca de Neve, com o sugestivo nome de Mirror Mirror e Julia Roberts como a Rainha Má. Vamos esperar que ele se recupere com esta nova tentativa.

Minhas Tardes com Margueritte (La Tête en Friche)

2012-01-08T17:00:00.000-02:00

Amizades inusitadas costumam fornecer bons ingredientes para histórias interessantes. Este é o mote principal do excelente Minhas Tardes com Maregueritte, um daqueles filmes que infelizmente não chegam ao circuito comercial. Construído de maneira muito simples, a trama gira em torno do encontro entre Germain, um quarentão que deu pouca atenção à também pouca educação que recebeu, e Margueritte, uma adorável senhora que sempre tem um tomo à mão. Aparentemente opostos, os personagens se reconhecem tanto na bondade quanto no apreciar das tardes das praças francesas, ao redor dos pombos.

Jean Becker, o diretor, é daqueles nomes pouco conhecidos aqui, mas bastante respeitados na Europa. Ganhador de alguns César, e indicado para a Palma de Ouro em Cannes, Becker gosta das amizades contrastantes, como já tinha demonstrado no também excelente Conversas Com Meu Jardineiro. Como o bom cinema francês, ele se aprofunda no personagem principal e toma seu ponto de vista como guia.

Gérard Depardieu é o mais conhecido ator francês, com merecimento. Nos papéis em filmes mais conhecidos aqui, ele costuma ser o grande, forte e caricato - como Portos, dos Três Mosqueteiros; Obelix, nos dois filmes da turma do Asterix; e Cirano de Bergerac, numa das filmagens mais conhecidas da famosa peça. Aqui, ele é grande e forte, mas representa a bondade daqueles de vida mais simples, e o faz com grande maestria. Sua contraparte não deixa a desejar, com a veterana Gisèle Casadeus no papel de Margeritte, usando e abusando dos trejeitos que o arquétipo do idoso marca em todos nós.

Lançado aqui em meados de 2011, provavelmente já está nas prateleiras das locadoras, além de uma ou outra sala alternativa. Como sempre recomendo, se você tem a sorte de tê-lo em exibição por perto, vá assistir. É cinema de qualidade, e de mensagem universal, daqueles que você sai com um sorriso leve da sala.

Compramos Um Zoológico (We Bought a Zoo)

2012-01-03T20:20:00.000-02:00

Além dos blockbusters, o período de férias, especialmente o final do ano, sempre traz os famosos filmes família, normalmente histórias água com açúcar que os pais mais conservadores podem assistir com os filhos - digo mais conservadores porque a nossa geração não vai se furtar a acompanhar os filhos nas animações e filmes de herói. Compramos um Zoológico é um típico representante desse formato, mas com um tempero especial ou dois.

Primeiro, é um filme de Cameron Crowe, que desde Elizabethtown não fazia um longa - exceto o documentário The Union. Crowe não tem muitos títulos no currículo, mas seu Quase Famosos e o remake Vanilla Sky valeram o status de diretor a ser observado. Seus filmes são sempre bons, com bom tratamento de roteiro, e excelente trilha sonora - herança da sua época como repórter da Rolling Stone.

O elenco é excelente. Matt Damon, mais gordinho e maduro do que estamos acostumados, está praticamente perfeito no papel. Thomas Haden Church, como seu irmão, mais uma vez mostra que é um ator que merece mais atenção. Colin Ford faz um papel difícil, como filho de Damon, mas sai-se muito bem. Só não melhor que sua irmã no filme, a pequena Maggie Elizabeth Jones - onde, onde eles conseguem arrumar essas crianças tão talentosas, sempre? Elas crescem, mas sempre aparece outra. Maggie é praticamente a vida do filme com sua forma incrivelmente charmosa de dizer cada linha de diálogo, e suas expressões absolutamente adoráveis. E fica ainda melhor quando aparecem Scarlett Johansson, sempre linda, e Elle Fanning, ela própria uma agora ex-criança prodígio - não mais criança, mas ainda prodígio, excelente atuação. Patrick Fugit, que fez o papel principal em Quase Famosos, faz uma boa partiricação aqui. E o elenco de apoio todo está muito bem.

Mas esse não é o segundo tempero. Saber que a história é baseada em fatos reais, isso sim. Parece algo tão inusitado e inventivo que só poderia ter saído da cabeça maluca de algum cineasta, mas, com alguma romantização, claro, aquilo aconteceu. Apesar dos momentos melancólicos quando a esposa falecida do personagem principal é lembrada, é um filme divertido do início ao fim, válido mesmo para aqueles que ainda não têm os próprios filhos.

Tudo Pelo Poder (The Ides Of March)

2012-01-03T16:45:00.000-02:00

Há muito tempo atrás, pouco mais de 10 ano, um tal de George Clooney era só mais um dos atores de séries televisivas tentando ganhar seu espaço nas telonas. Quando era o Dr. Doug Ross de ER - Plantão Médico no Brasil - ninguém dava muita bola pra ele. Não melhorou muito o fato dele ter estrelado a possível pior adaptação de um herói de quadrinhos no cinema, o hediondo Batman & Robin de Joel Shumacher. Felizmente ele fez melhores escolhas para sua carreira depois, estrelando grandes filmes como Além da Linha Vermelha, E Aí Meu Irmão, Cadê Você?, e Mar em Fúria. Não demorou muito e ele começou a também dirigir. Foi aí que os cinéfilos começaram a de fato reparar nele.

Seu primeiro longa como diretor, Confissões de Uma Mente Perigosa, é excelente. Mas mostrava vícios de outros diretores, não deixava uma marca. Três anos se passaram e, depois de alguns episódios de uma série de TV, Clooney voltou à cadeira com o estonteante Boa Noite, E Boa Sorte. Desta vez, estava tudo lá: estilo, tratamento, tom, fotografia. Como diriam os artistas da Renascença, Boa Noite foi a sua obra prima, aquela que o batisou realmente como diretor. Depois viria uma experiência nas comédias românticas com o levemente divertido O Amor Não Tem Regras, e com Tudo Pelo Poder ele volta com tudo. Parece que a política é um tema que não só atrai Clooney, mas que também desperta nele seu melhor talento na direção.

Falar do elenco é fácil. O próprio Clooney está muito bem, Ryan Gosling no papel principal está muito bem, Philip Seymour Hoffman, como sempre, está muito bem. Paul Giamatti idem. O mesmo para Evan Rachel Woods e Marisa Tomei. E para todo o resto. Não há atuação mais ou menos para qualquer um com mais de poucos segundos e uma linha de diálogo. É um feito difícil de alcançar. Especialmente em uma fita sobre os bastidores mais recônditos do cenário político dos Estados Unidos.

Clooney, que também co-assina o roteiro, dá contornos muito claros aos personagens, o que não significa que eles possam ser distorcidos durante a trama - afinal, estamos falando de política. O título original, inclusive, The Ides Of March, é uma dica do que podemos esperar - na peça de Shakerpeare Júlio Cesar, o personagem título é recomendado a tomar cuidado com “os idos de março” (ele seria assassinado no dia 15, por seu amigo e conselheiro Brutus). Assim como em Boa Noite, aqui não há espaço para diálogos engraçadinhos e truques para prender a atenção do espectador. Não é necessário. Como bom filme, ainda que sério, ainda que um tanto revoltante, Tudo Pelo Poder prende até o fim. Imperdível.

O Garoto da Bicicleta (Le Gamin au Vélo)

2011-12-30T05:30:00.000-02:00

É inegável: enquanto o cinema estadunidense tende a buscar histórias mirabolantes, que exigem produções caríssimas e efeitos especiais, o cinema europeu prefere a simplicidade das relações humanas nada simples. O Garoto de Bicicleta é um filme cheio de camadas, escondidas por trás de uma trama tão cotidiana que somos capazes de nos relacionar com ela quase imediatamente.

Os cineastas e irmãos Jean-Pierre e Luc Dardenne não são muito conhecidos do grande público, mas são figurinhas fáceis nos maiores prêmios internacionais de cinema, incluindo quase meia dúzia de Palmas de Ouro, entre indicações e pêmios, incluindo este. Tiveram algum destaque com seu filme mais famoso, O Silêncio de Lorna, mas contam mais de quinze produções, tendo em comum o mesmo aspecto de histórias cotidianas cheias de interpretações.

Aqui, os irmãos Dardenne contam o caso de Cyril, um garoto abandonado pelo pai em um orfanato, que busca suas duas maiores paixões: o próprio pai, e sua bicicleta. Intermédios do destino unem Cyril, muito bem interpretado por Thomas Doret, e a cabeleireira Samantha - único rosto possivelmente conhecido, já que a atris Cécile de France atuou em Além da Vida, de Clint Eastwood. Samantha é a típica samaritana, de paciência quase sobrehumana. Largado pelo pai, descontente com o orfanato e ainda incapaz de se relacionar com Samantha, Cyril é presa fácil para marginais que o seduzem para o crime.

A bicicleta, tornando-se o único ponto de permanência na vida do garoto, é uma metáfora bem trabalhada dos sentimentos confusos a que uma criança nessas condições está sujeita, e é com esse cuidado que os Dardenne levam a história evitando habilmente clichês que pegariam facilmente cineastas menos desenvoltos. Menos um: o final desnecessariamente vago poderia ser melhor trabalhado.

Melancolia (Melancholia)

2011-12-05T14:00:00.000-02:00

Lars Von Trier não veio ao mundo do cinema à toa. Um dos autores do Dogma95, o movimento cinematográfico dinamarquês que pregava a simplicidade nas produções - e que foi solenemente ignorado pelos próprios criadores do manifesto - ele gosta de polêmica. E detesta os Estados Unidos. Nunca esteve lá, segundo ele mesmo diz, mas vários de seus filmes são críticas abertas à sociedade estadunidense. Alguns de seus melhores filmes, inclusive, Dogville e Manderlay, são verdadeiros tapas na cara. Dizem que foi ele que, com Os Idiotas, começou a onda de filmes de arte com cenas de sexo explícito. E, para completar, ele faz declarações propositalmente provocativas em grandes eventos - o que o levou a ser expulso de Cannes este ano.

Talvez por isso ele não tenha ganho a Palma de Ouro a que foi indicado, apesar da recepção calorosa da crítica por seu Melancolia. Que não tem nada de polêmico, apesar de ser muito bom. O filme, todos sabem, trata de eventos que acontecem na vida de duas mulheres e do fim do mundo. A sequência inicial é um longo prólogo todo em câmera super-lenta que, apesar de poético e belíssimo, é um tanto cansativo. Lars não gosta de facilitar para seus espectadores. As duas partes seguintes, no entanto, são bem tradicionais - no sentido “cinema independente” da coisa. É bem verdade que, ao contrário de outros dos seus filmes, aqui a câmera sempre tremendo e constantemente perdendo o foco no segmento Justine ficou um tanto artificial.

A produção é muito boa, e cheia de nomes consagrados. Kirsten Dust faz o melhor papel da sua carreira - levou a Palma de Melhor Atriz em Cannes por ele, e divide a tela com Kiefer Sutherland, John Hurt, Stellan Skarsgård, Charlotte Rampling e com Charlotte Gainsbourg, que faz o papel mais fraco do elenco. O tom da fotografia, toda em cores pastéis e quase sempre meio sombreada, anuncia o fim do mundo que está por vir, com a proximidade do planeta Melancolia. É no tratamento quase trivial dado à inexorável destruição da Terra, entretanto, que está a grande qualidade do filme.

Mesmo sendo dos mais tradicionais que Lars Von Trier já fez, ainda assim não é um filme que vá agradar facilmente a todos. Por isso mesmo, entrou em cartaz aqui em circuito bastante restrito, mas felizmente é possível encontrá-lo ainda hoje em sessões cult - que foi o meu caso.

Assalto em Dose Dupla (Flypaper)

2011-11-27T06:44:00.000-02:00

O cinema como diversão pura pode surpreender às vezes. Quando entrei na sala para assistir Assalto em Dose Dupla - mais um exemplo de péssima tradução de título, apesar do original Flypaper dar realmente um pouco de trabalho para gerar um título com o mesmo sentido em português - sabia muito pouco do filme, além de que era uma comédia, envolvia um assalto (dã) e que dava a entender que haveria uma parte romântica envolvida - esta última parte mostrou-se incorreta, mas sem prejuízo.

Tivesse eu olhado para a ficha técnica, talvez pudesse ter esperado até mais. Roteirizado pela dupla que criou os personagens do excelente Se Beber Não Case, Jon Lucas e Scott Moore - perdoem-lhes pelo fiasco do segundo, não foram eles os responsáveis - e dirigido por Rob Minkoff, que tem em seu currículo a estrela maior da co-direção de O Rei Leão. O filme segue um bocado o esquema de Se Beber, com ritmo alucinante, nonsense, personagens ótimamente cômicos e uma história que só se revela totalmente na última cena.

O elenco cheio de rostos conhecidos para nomes nem tanto. Patrick Dempsey estrela a série Grey’s Anatomy, e faz um ótimo papel como o gênio com TOC que está mais interessado em resolver as charadas da situação do que em se proteger. Ashley Judd, uma grande atriz que infelizmente não tem muito espaço, faz um involuntário par romântico com Dempsey. Tim Blake Nelson, com sua cara irreparavelmente cômica, faz um dos assantaltes caipiras com uma atuação sensacional.

Típico filme de entre-temporadas, não vai fazer muito barulho e provavelmente não será lembrado por muito tempo. Não é tão engraçado nem tão inesperado como Se Beber Não Case, nem é uma das melhores comédias dos últimos tempos. Mas o ritmo acelerado, as constantes mudanças de situação e a absoluta falta de sentido garantem boas risadas. Para diversão pura e simples, e para quem quer fugir dos adolescentes em filas para a saga dos vampiros e lobisomens, é uma boa pedida.

A Pele que Habito (La Piel Que Habito)

2011-11-24T10:50:00.000-02:00

Quem acompanha a carreira de Pedro Almodóvar sabe reconhecer um dos seus filmes com poucos minutos de uma cena aleatória. O mais famoso diretor espanhol tem uma queda para o nonsente, mistura humor com drama com facilidade, gosta de cores fortes, realmente saturadas, na tela, e muitas vezes coloca pedaços autobiográficos nos seus roteiros. Pois nem o mais fanático seguidor conseguiria reconhecer facilmente A Pele Que Habito como uma das suas obras. Provavelmente numa tentativa de experimentar algo novo, Almodóval fez seu filme mais sombrio - tanto em tema quanto em fotografia.

A história é um tanto perturbadora, e o formato não linear escolhido pelo diretor tenta torná-la ainda mais dramática. É difícil classificar o filme, que pende do drama ao suspense, mas sem realmente se prender a nenhum deles. As idas e voltas na linha do tempo não são suficientes para prender a grande surpresa do filme por muito tempo, e com isso o choque que poderia ser muito grande acaba sendo apenas uma breve constatação.

Antonio Banderas, antigo parceiro de Almodóvar, volta a trabalhar com o diretor depois de mais de duas décadas. Ao contrário do personagem nerd-boboca de Ata-me, Banderas aqui faz o médico Robert, com a desenvoltura que os anos de carreira lhe conferem - mas ainda um tanto exagerado para um suspense que não acontece. Elena Ayala, que também já trabalhou com o diretor, faz um bom papel, mas o destaque vai para a veterana Marisa Paredes que, adivinhem, também já esteve sob a batuta de Pedro. Na pele da única personagem que sabe de tudo o que acontece, ela parece ser também a única atriz que conseguiu colocar algum senso no que estava fazendo.

A experiência é sempre louvável, e um diretor do porte de Almodóvar, ainda que em terreno desconhecido, sabe o que faz. É possível ver a qualidade dos diálogos, dos ângulos de câmera, mesmo da fotografia. Mas algo na produção não convence. Mesmo com todos os elementos parecendo conspirar a favor, faltou a magia que costumamos buscar nos filmes do espanhol.

Contágio (Contagion)

2011-11-05T13:50:00.000-02:00

O que os filmes Eu Sou a Lenda, Ensaio Sobre a Cegueira e Epidemia tem em comum? Todos falam de uma doença misteriosa que abateu-se sobre grande parte da humanidade em pouco tempo, causando caos, revoltas, perda da humanidade e, em um dos casos, vampiros zumbis. É um tema batido, parte do velho medo humano do apocalipse, que volta e meia aparece - os citados são apenas uma parte deles, os que lembrei assim de pronto. Apenas um, baseado na obra sensacional de Saramago, é de fato um bom filme. E agora um grande diretor, Steve Soderbergh, resolve arriscar o mesmo caminho.

A fórmula parecia promissora. Além de Soderbergh, um elenco repleto de grandes nomes. Matt Damon, Gwineth Paltrow, Laurence Fishburne, Jude Law, Kate Winslet, Eliot Gould, Marion Cotillard, são tantas estrelas que não há tempo na tela para todas. E, ainda assim, o filme se perde. O roteiro, assinado por Scott Burns - o mesmo de O Desinformante e Ultimato Bourne - parece ser a peça que não se encaixa na equação.

As atuações boas da maior parte do elenco não são suficiente para segurar a história. O começo é bom, com tensão e ritmo, e várias tramas paralelas conseguindo amarrar umas às outras. Tudo segue rápido e coerente, até o ponto em que, aparentemente, Burns não soube mais o que contar. Então o ritmo se perde completamente, as histórias se tornam fios soltos, e nenhuma resolução se apresenta. Há, em alguns momentos, indícios de que o ponto chave seria as consequências do desespero sobre a sociedade; em outros, parece ser uma crítica à forma como os poderes governamentais gerem situações como essa; há mesmo um início de drama familiar. E nada evolui, ao ponto de o final ser uma decepcionante e desnecessária volta ao começo.

É decepcionante ver tantos talentos desperdiçados. Houve até uma ação de divulgação muito interessante com o nome do filme sendo formado por bactérias de verdade em uma placa. O trailer chamava atenção - apesar de lembrar aqueles filmes citados no primeiro parágrafo. Mas nem mesmo Soderbergh, nem mesmo um elenco com mais estatuetas e indicações que os caracteres no nome do filme foi capaz de salvar Contágio.

O Palhaço - por Adelino Neto

2011-11-01T08:14:00.000-02:00

Às vezes um amigo seu assiste a um filme que você quer muito ver antes de você. Às vezes esse amigo tem também um senso crítico aguçado para a sétima arte. Às vezes você faz uma oferta sem pensar muito, e depois tem que cumprir. Sem mais delongas, é com orgulho que o Parada Crítica apresenta seu primeiro post de convidado, com a crítica de O Palhaço por Adelino Neto:

Eu acredito muito em dom. E quando um dom é reforçado por estudo e trabalho duro, essa pessoa acaba se tornando um gênio. Eu estou falando do ator, diretor e roteirista Selton Mello. Não que eu o considere um gênio, mas é notório o seu dom. E já que ouvi e li por aí sobre o seu excessivo comprometimento com o trabalho, é apenas uma questão de tempo para poder afirmá-lo como gênio.

Já vi várias séries e filmes protagonizados pelo ator. Dentre eles, Lavoura Arcaica e Cheiro do ralo são os meus preferidos. Atuações que eu o senti mais “dentro” do personagem. E até o momento, havia visto apenas um filme que ele escreveu e dirigiu. O curta-metragem Quando o Tempo Cair. Ali eu percebi uma veia mais, digamos, poética e intimista. Com a pretensão de ser despretensioso. Trocadilho pode, Arnaldo? No seu currículo, se não me engano, ele escreveu e dirigiu mais dois longas e alguns vídeo-clipes.

Mas eu estou fazendo esse preâmbulo todo apenas para dizer que no fim de semana eu finalmente assisti seu último longa-metragem, O Palhaço. Fui ao cinema sabendo que assistiria algo bom. Mas, vi bem mais do que isso. Vi uma obra madura, de um cara que, atrás das telonas, nem é tão maduro assim.

O filme, escrito, dirigido e protagonizado pelo próprio Selton, narra as aventuras da trupe de um pequeno circo, que leva o nome de Esperança, pelo interior de Minas Gerais. Inclusive por Passos, cidade natal do Diretor. A responsabilidade de gerir a empresa está nas mãos, melhor, nas costas do filho do dono do circo, Selton, que luta contras suas inseguranças, angústias e dúvidas. Um triste palhaço que nasceu no circo e tem a responsabilidade de cuidar do mesmo. De resolver todos os problemas técnicos e logísticos da empresa sem uma participação ativa do pai, dono do circo e dupla de “palhaçada” no picadeiro, o sempre excelente Paulo José.

A fotografia impressiona por mostrar a beleza de um cenário que, a olho nu, as pessoas nem reparariam: morros, campos, canaviais e pequenas cidades interioranas. O figurino, maquiagem e direção de arte são outros pontos que merecem destaque. Junto com o texto timidamente cômico e dramático, e, claro, a impecável atuação de todo o elenco.

Palmas para a sacada genial de homenagear artistas que estavam desaparecidos do grande público e que deram um verdadeiro show: Jorge Loredo, mais conhecido como Zé Bonitinho, Luiz Alves Pereira Neto, o famoso Ferrugem, Moacir Franco, Teuda Bara e o próprio Paulo José.

O Palhaço passa a sensação de simplicidade, apesar dos detalhes complexos. Fato que só os bons roteiros conseguem. A leveza e o intimismo parecem a de um filme despretensioso. Mas, não se engane. Se você entrar na sala com o intuito de apenas se entreter, ótimo. Sairá da sessão leve, tranquilo e feliz. Nada de mais. Mas, se por acaso decidir se envolver com o personagem, ou com os personagens, prepare-se. Você se surpreenderá.

______________________________________________________________________________

Adelino Neto é Diretor de Criação e sócio da FCS Bem Pensado, de Cuiabá, além de cineasta inconformado, prestes a iniciar seu primeiro curta-metragem.

Amizade Colorida (Friends With Benefits)

2011-10-26T20:38:00.000-02:00

No ano passado tivemos o prazer de ver na telona uma obra como há muito não surgia. Cisne Negro é daqueles filmes obrigatórios, tamanha sua força. Estrelado por Natalie Portman, uma das cenas mais faladas - infelizmente, pois o filme é muito mais do que isso - é a de sexo com Mila Kunis. Pois parece que nenhuma das duas gostou da experiência, pois pouco depois ambas estrelariam produções com temas iguais. Portman atuou em Sexo Sem Compromisso, lançado no começo deste ano, em que cultiva uma “amizade especial” com Ashton Kutcher. Pois Mila Kunis, quase ao mesmo tempo, filmava praticamente a mesma história com Justin Timberlake.

Amizade Colorida foi dirigido por Will Gluck, que antes deste tinha dirigido comédias escolares tolas. O ritmo que ele imprimiu a este, no entanto, casou muito bem com o estilo do roteiro. Claro, não se enganem, é uma comédia romântica, com todos os clichês do gênero e com os mesmos pontos chave. Como sempre, a grande diferença nesses filmes está no meio, e é a grande diferença entre o filme de Gluck e o de Ivan Reitman, que comandou Sexo Sem Compromisso. Reitman, veterano com boas comédias no currículo, sabe pesar melhor a importância de cada etapa, algo que Gluck negligencia um pouco. Em Amizade Colorida, a parte da amizade tem que ser inferida, já que o diretor optou por mostrar de cara o início da conturbada relação - e com isso, mais cenas de sexo e nudez. Mas não se anime, o bumbum que se vê em uma das sequências provavelmente não é da Mila Kunis.

Mas ele teve uma vantagem sobre Reitman. Timberlake, por incrível que pareça, faz um bom papel, não ficando muito atrás da charmosa Kunis. Pode ser que o caso aqui seja de menor distância de talento - Portman dá um baile no sempre mediano Kutcher o filme todo - mas essa relação é essencial para a graça do filme. Outra vantagem de Gluck foi uma melhor composição de diálogos. Não apenas aproveitam bem os personagens, mas também fazem uma “sequência de risos” quase incessante exatamente no momento da construção da trama. Também aproveitam bem o elenco de apoio, com destake para Patricia Clarkson e Richard Jenkins em boa forma.

A comparação é inevitável, mas também desnecessária. Nenhum dos dois compete por um posto no raro rol das comédias românticas excelentes - e creio que nenhum dos dois pretendia. Então, confabular sobre qual é mais engraçado ou mais bem feito é inútil. Ambos são divertidos em boa medida, ótimos para aqueles momentos em que tudo o que se quer é fugir por alguns minutos para um lugar em que o mundo parece perfeito.

Remake, Versão, Reboot

2011-10-26T13:10:00.000-02:00

O cinema sempre soube se reciclar. Personagens famosos aparecem às vezes em dezenas de filmes, e vez por outra somos surpreendidos ao saber que aquele filme que adoramos é uma versão, ou torcemos o nariz quando ouvimos que o próximo lançamento é um remake. Há pouco tempo as pessoas da minha geração ficaram chocadas ao saber que Karate Kid seria refilmado, dirigido por Will Smith e tendo seu filho como personagem principal, Jackie Chan como Sr. Miyagi, e ambientado na China. Por mais que vários críticos tenham dito que, no fim das contas, o filme é bom, não tive ainda coragem de assistir. Como provavelmente não terei de ver o remake de Footloose. E espero sinceramente que todos os boatos sobre OldBoy sejam mentira. Vez por outra também lemos que tal franquia sofrerá um reboot. E há histórias que tem múltiplas versões. Por mais que cada um signifique algo diferente, no entendimento geral quase sempre o que é filtrado é que o filme em questão é uma cópia. Vamos tentar aqui esclarecer um pouco esses sobrenomes.

Começando do começo. A origem de um roteiro, por si só, já elimina algumas dúvidas. A literatura e o teatro são as grandes fontes do cinema, com os quadrinhos cada vez mais fortes e as séries de TV ora em alta, ora em baixa. Se um roteiro surge de uma história que já foi contada antes, em qualquer meio que seja, ele já nasce versão, mesmo que seja o primeiro a chegar às telonas. Foi assim lá em 1971, quando Mel Stuart transformou em filme o livro de Roald Dahl – que também fez o roteiro do filme. Tivemos assim a primeira versão de A Fantástica Fábrica de Chocolate - Willy Wonka & the Chocolate Factory, no original. 34 anos depois, Tim Burton fez um novo filme, com a mesma história. Mas ele não usou o roteiro da versão de 1971. John August escreveu um novo roteiro, a partir do livro de Dahl. Embora tenha sido chamado de remake, A Fantástica Fábrica de Chocolate de Burton é na verdade uma outra versão – tanto que o nome original é também outro, Charlie and the Chocolate Factory. Os mesmos personagens, a mesma história, mas diferenças cruciais em diálogos e pontos chave da trama. Filmes diferentes com a mesma origem, temos uma versão, e não um remake. Pelo que tenho ouvido e visto, é o que vai acontecer com Os Homens Que Não Amavam As Mulheres - o livro é ótimo, o filme sueco é bem fraco, esperanças em alta para a versão de David Fincher. O mesmo acontece quando há uma história sem uma fonte clara, que está aberta para várias vertentes - caso dos contos de fadas e personagens como Robin Hood, Rei Arthur e Merlin. Cineastas diversos fizeram filmes diversos, cada um com uma história diferente.

Mas a história pode nascer já no cinema, como King Kong. Merian C. Cooper e Edgar Wallace deram a ideia para James Creelman e Ruth Rose escrever, e Copper e Ernest B. Schoedsack dirigiram, em 1933, a história original de um gorila gigante levado a Nova York. E aí a coisa complica um pouco. Em 1976, Lorenzo Semple Jr. pegou o roteiro original e atualizou a história, que foi então dirigida por John Guillermin. A trama principal estava lá, mas a ação acontecia no presente – no caso, o presente em 1976 – e com isso várias mudanças drásticas foram feitas ao roteiro, que resultou em um filme péssimo com um King Kong que mais parecia a Monga, a mulher macaco dos circos e parques de diversão de qualidade duvidosa. Felizmente Peter Jackson se reuniu à sua parceira criativa Fran Walsh e à Phillipa Boyens para a excelente versão de 2005, que pegou o roteiro original de Creelman e Rose, inclusive usando cenas que o original de 1933 decidiu cortar, e fez basicamente o mesmo filme com tecnologia moderna. Três filmes, um roteiro: é o remake. Os exemplos mais comuns disso são as versões norte-americanas de sucessos de outros países, como O Chamado, Deixa Ela Entrar, A Casa do Lago, Dança Comigo, entre outros.

Temos o caso de reboot – que pode ser traduzido como reiniciar, algo que usuários mais antigos de computador conhecem bem. Neste caso, é literalmente começar de novo, do zero, como se as produções anteriores não tivessem existido - e por isso mesmo normalmente é feito com filmes baseados em livros, quadrinhos ou séries. Imagine que você tem um personagem de quadrinhos muito bacana, faça dois filmes bastante bons com o Tim Burton comandando, e no terceiro decidem passar o bastão para algum infeliz que jamais deveria ser admitido perto de um set de filmagem. Não contente em estragar o terceiro filme do Batman, Joel Shumacher achou que podia se superar e fez o quarto - que figura entre os piores filmes já feitos em várias listas. Não dava para continuar. Então foi preciso “resetar” tudo, e felizmente chamaram o Christopher Nolan, que fez um ótimo trabalho. Então o X-Men First Class é um reboot? Não. Neste caso, é simplesmente uma outra história, ambientada em outro tempo, feito com personagens que já estiveram na telona. Ao contrário do próximo Spider-Man, que é uma mistura. Ao mesmo tempo em que conta a história toda de novo e muda algumas coisas, ele também foca em uma fase da vida do personagem que os três primeiros não abordaram. Na prática, é um reboot, com a adição da mudança de época.

Agora, não se espante se aquele filme que você adora não for original, ou o original. Além dos que já citei aqui, segure-se na cadeira para a lista:

A Mosca - David Cronenberg refilmou um clássico do terror, que aqui no Brasil recebeu o nome de A Mosca da Cabeça Branca - é, vai entender.
13 Fantasmas - A versão original é de 1960, mas a história é basicamente a mesma. Imagine os efeitos especiais. Ou melhor, procure na internet por algumas cenas, é imperdível.
Scarface - Brian DePalma fez um excelente filme de outro excelente filme. Lembra do milionário maluco e aviador Haward Hughes? Então, ele produziu o filme do seu xará Howard Hawks em 1932.
Insônia - Pois é, até o Christopher Nolan fez o seu remake, no caso de um filme norueguês.
O Preço de Um Resgate - O original é de 1956.
A Identidade Bourne - Feito para a TV em 1988, com o esquisitão Richard Chamberlain - é, aquele da série de filmes imitando Indiana Jones.
Onze Homens e Um Segredo - feito pela Rat Pack na década de 1960. As sequências já são obra de Soderbergh.
Por Um Punhado de Dólares - Esta é uma história interessante. Akira Kurosawa fez seu Yojimbo baseado em um conto de Dashiell Hammett chamado Red Harvest. Kurosawa ambientou no Japão medieval, com samurais. Sérgio Leone, anos depois, usou o mesmo conto e o filme de Kurosawa para o mais conhecido Spaguetti Western, e também o filme que colocou na cabeça de todos a imagem do Clint Eastwood cowboy.
Os Infiltrados - Ótimo remake de Martin Scorcese de um filme de Hong Kong.
Sete Homens e Um Destino - Kurosawa fez o original, também com samurais no Japão medieval, John Sturges refilmou no velho oeste em 1960, virou série de TV em 1998.
Mens@gem Pra Você - Refilmagem do simpático A Loja da Esquina, de 1940. Detalhe curioso: a loja da Meg Ryan no remake tem o mesmo nome do filme original, A Shop Around The Corner.
True Lies - O original da comédia de espião é um filme francês de 1991 chamado La Totale!
Violência Gratuita - Outra história interessante. Mickael Haneke escreveu e dirigiu as duas versões, uma em 1997 e outra em 2007 - esta última nos EUA.
Fogo Contra Fogo - a mesma coisa do Violência Gratuita, mas feito pelo Michael Mann. A justificativa para a segunda versão é mais do que válida: a primeira vez que Al Pacino e Robert DeNiro contracenaram.

A lista é grande. Bem grande. Juntando remakes e versões inclui A Princesinha, Caminhando Nas Nuvens, Um Crime Perfeito, Alfie, A Marca da Pantera, Cidade dos Anjos, Os Safados, Uma Saída de Mestre, O Campeão, A Pequena Loja dos Horrores, Vanilla Sky, Flubber, 60 Segundos, Eu Sou A Lenda e tantos outros que não daria para citar todos. Visite o IMdB e consulte o link “connections” de um filme para saber se ele já teve outra versão.

De Títulos e Traduções

2011-10-24T16:18:00.000-02:00

Normalmente, as pessoas que gostam muito de filmes gostam de assisti-los na sua versão original. Isso significa o formato da imagem e o som original, na língua em que foi filmado. Ao contrário do que muitos pensam, não é só para tirar onda de que sabe falar inglês. Eu gosto de assistir sempre na língua original, seja ela sueco, japonês, espanhol, russo, alemão, italiano - para ficar só nos países com maior número de boas produções cujos idiomas não entendo nada. Eu acho que o som é parte da obra cinematográfica, e que tanto o diretor quanto o ator trabalharam muito, repetindo e refazendo cenas, para que aquele diálogo tivesse uma nuance única, e isso em qualquer língua que seja. Mas entendo que há pessoas - muitas, aliás - que preferem filmes dublados, e o meu xará Thiago Borbolla fez um excelente post sobre isso, do qual concordo com quase tudo. O que não concordo é com a qualidade cada vez pior das traduções brasileiras - e aí entram não só as dublagens como também as legendas e os títulos.

Eu sei que o trabalho não é fácil. Sei que há certos aspectos culturais em alguns diálogos e títulos que são quase intraduzíveis. Mas há, também, muito erro que poderia ser evitado. Como eu sei que o nome de uma obra muitas vezes já dá o tom - afinal, não adianta, todos nós julgamos pela capa, ou, neste caso, pelo poster - e não confiando nos tradutores, costumo sempre procurar o nome original. Pois me deparei há algumas semanas com um exemplo de tradução de título que não apenas é ruim, como joga contra a obra.

O filme It’s Kind of a Funny Story conta o caso de um adolescente com pensamentos suicidas que decide se internar em um hospital psiquiátrico. É bem filmado, tem boas atuações, ótimos diálogos, e aquele ar de cinema alternativo que os cinéfilos adoram. Mas a distribuidora brasileira resolveu chamá-lo no Brasil de Se Enlouquecer, Não Se Apaixone. O título lembra muito outro filme famoso, certo? Pois a presença de Zack Galifianakis é a única justificativa para a aberração dessa tradução. Seja sincero: você se interessaria por um filme chamado Se Enlouquecer, Não Se Apaixone? Eu não. Mas ainda bem que eu procurei o nome original. Tive a oportunidade de assistir uma produção excelente, que não chegou às salas brasileiras, e graças à tradução ruim poderia ter passado despercebida por mim - como, tenho certeza, passou por muitos.

Este é um caso em que a tradução não é tão simples. Não ficaria muito mais atrativo se o nome brasileiro fosse É Uma História Um Tanto Engraçada. Mas há opções melhores que a escolhida, sem dúvida. Às vezes, é até melhor deixar o título pouco explicado. Vai que o filme tem uma continuação que brinca com o nome original, como Ocean’s Eleven e Meet The Parents. Onze Homens e Um Segredo até é um nome legal, mas Treze Homens e um Novo Segredo é forçar a barra. E o que dizer de Entrando Numa Fria Maior Ainda Com A Família? Triste.

E parece que há um prazer especial em ter que colocar algo em português. Quando o nome não precisa de tradução - por ser o nome de um lugar ou de uma pessoa - insistem em colocar um subtítulo, quase sempre ridículo. Pulp Fiction - Tempo de Violência, Erin Brocovich - Uma Mulher de Talento, Moulin Rouge - Amor em Vermelho e, o pior de todos, Taxi Driver - Motorista de Taxi. É, foi assim que o filme foi lançado no Brasil. Agora pense que você é um diretor que faz um filme de ação/suspense em que algo acontece mas você não conta nem no título, nem na sinopse, nem nos trailers, deixando toda a emoção para o momento do filme em si. Pois eis que chega uma distribuidora brasileira e estraga toda a sua estratégia ao colocar um infame subtítulo desnecessário: Cloverfield - Monstro. Pior que isso, só quando o título nacional é algo que o filme diz explicitamente que não é o que acontece, como Amnésia, péssimo nome brasileiro do excelente Memento.

Então, tradutores e distribuidoras, por favor, pensem bem antes de decidirem por um título nacional. Pensem na obra, no trabalho dos cineastas e, especialmente, no público que vocês podem atrair, ou não, com um título ruim.

Gigantes de Aço (Real Steel)

2011-10-23T13:30:00.000-02:00

Desconhecia por completo a existência de Gigantes de Aço até ver um trailer poucas semanas atrás. A trama parece levemente interessante, a conhecida história do underdog, do azarão em quem ninguém acredita, feita com robôs. Depois, vejo que ele está insistentemente no topo das bilheterias da América do Norte. Calhou de nenhum dos outros filmes que me interessam estar passando no momento que tinha livre, e acabei entrando para uma grata surpresa.

Confesso que o nome de Shawn Levy me assusta. O diretor acumula comédias bobas - algumas no nível da vergonha alheia - e não parecia estar interessado em outro tipo de produção. Não sei se a iniciativa de dirigir um drama como este partiu dele ou se ele foi contratado, mas pouco importa. Ele tem aqui a sua chance de mudar o perfil, se quiser. A história, baseada em um conto da década de 50, e bem roteirizado por Joh Gatins, tem mais elementos do que se esperava, e do que o trailer deixava aparecer.

Hugh Jackman foi uma escolha inteligente para o papel principal do ex-boxeador, atual treinador de robôs lutadores e pai ausente. Suas limitações artísticas encaixaram bem no personagem, dando mesmo uma credibilidade inesperada. A bela Evangeline Lilly, apesar de se esforçar e dar alguns sinais de boa interpretação, está no elenco simplesmente para embelezá-lo - o que, claro, ela faz muito bem. Mas, como tem sido comum no cinema norte-americano, é uma criança que rouba a cena sempre. Dakota Goyo - que apesar de compartilhar o nome com uma grande atriz mirim, é um menino - dá um baile em Jackman e preenche a tela com o talento que, aparentemente, Hollywood tem facilidade em encontrar nos pequenos. Acostumado às telas desde seus seis anos, já teve a honra de interpretar o Deus do Trovão Thor na recente adaptação, e aqui faz seu primeiro papel de destaque.

Gigantes de Aço é um drama ao mesmo tempo de superação e familiar, a história de um quase perdedor buscando seu lugar ao Sol, e de um homem aprendendo a ser pai. Bem ambientada em um futuro próximo crível - em que os robôs lutadores convivem com o cenário de prédios como os de hoje - o filme consegue focar no que é de fato interessante na trama, tomando o cuidado de não cair em muitos clichês. Como na própria história, pode ser um azarão que parte para conquistar algum destaque. Para os amantes da nova luta da moda, um ponto interessante: o motivo dos robôs boxeadores existirem é a conquista de público pelo MMA, e um bom resumo da história da luta, citando inclusive a família brasileira Gracie, foi bem inserido na trama.

Capitães da Areia

2011-10-09T15:30:00.000-03:00

Lembro-me de ter lido - e descoberto - Jorge Amado na adolescência, com Capitães da Areia. Uma leitura deliciosa, nas passagens bem compostas, no tratamento cultural do cenário, na história rica. Confesso com alguma vergonha que não conheço a fundo a obra desse grande autor brasileiro, mas do pouco que li, Capitães sempre foi o meu preferido. Ainda é nítido pra mim o espanto de ver um livro tratar abertamente de assuntos que ainda eram controversos à época em que o descobri, e saber que a obra era ainda mais antiga, de 1937 para ser mais exato. Já havia ali uma visão que hoje ainda é rara.

Por isso recebi, como sempre, com um misto de ansiedade e apreensão a notícia de que seria adaptado para o cinema. Meu primeiro receio foi que caíssem na tentadora armadilha de atualizar a trama para os tempos atuais, mas maior ainda foi de que a profundidade da história fosse perdida em nome das bilheterias. Felizmente o comando da adaptação estava nas mãos de Cecília Amado, neta do escritor, que assina a produção, o roteiro e a direção. Ela, que já trabalhou como continuista em outra obra adaptada de seu avô, Tieta do Agreste, consegue passar para a grande tela um cenário com quase tanto sabor quando o livro - aplausos também para o co-diretor e responsável pela fotografia, Guy Gonçalves.

O elenco, a exemplo de outro grande filme nacional, Cidade de Deus, é composto em grande parte por não-atores mirins, muito bem recrutados e treinados. Toda a trupe de Pedro Bala é composta de rostos desconhecidos, mas que souberam transmitir como profissionais o misto de esperteza, maturidade e carência que forma a personalidade dos Capitães. Merecem destaque, além do próprio Pedro Bala feito por Jean Luiz Amorim, o Professor de Robério Lima, o Gato de Paulo Abade, e a Dalva de Ana Cecília. Mas o grande aplauso vai para a Dora de Ana Graciela, numa interpretação digna de prêmios.

A todos vocês que ainda viram o rosto e fazem caretas para o cinema nacional, Capitães da Areia é obrigatório, como foram o já citado Cidade de Deus e os dois Tropa de Elite. Além de ser cinema de primeira qualidade, é baseado em literatura brasileira de primeira qualidade. Claro, há concessões, e há faltas, mas o clima do livro, o charme, está todo lá. Espero que, além de levar multidões às salas, Capitães da Areia também desperte no nosso iletrado povo o desejo de conhecer mais esse grande autor.

Trabalhar Cansa

2011-09-28T09:01:00.000-03:00

Existe uma vertente nacional que responde pelo nome popular de “novíssimo cinema nacional”. São cineastas jovens, muitos estreantes, e em comum a busca de romper alguns conceitos, e de unir outros. São experimentações como essas - por que já passaram boa parte da Europa e nossos hermanos argentinos - que fazem o cinema de um país ganhar uma personalidade. Infelizmente, é muito difícil que esses filmes cheguem ao circuito comercial - afinal, o lucro também move a produção cinematográfica. Mas é gratificante ver que estamos no rumo certo no momento certo. Enquanto produções nacionais já disputam salas e receitas com os blockbusters estrangeiros, as novas cabeças aproveitam a onda para obter os recursos necessários para existir.

Trabalhar Cansa é a estreia de Marco Dutra e Juliana Rojas em longas, e mistura os aparentemente opostos assuntos do drama familiar com suspense. A construção narrativa é bem mais convencional do que outros filmes do movimento, e mesmo que os curtas da dupla, mas nem por isso menos interessante. Há uma habilidosa transformação entre os gêneros no decorrer da fita, que a todo momento quase se sobrepoem.

De um lado, a nova empreendedora Helena, interpretada por Helena Albergaria, precisa fazer seu novo mercadinho de bairro funcionar, enquanto encontra sua personalidade como chefe e convive com mistérios no seu local de trabalho. Do outro, o marido Otávio, papel de Marat Descartes, vive o pesadelo da classe média ao perder o emprego de uma década e ver-se obrigado à busca infrutífera por um novo. Ambos são rostos desconhecidos que se saem muito bem em suas performances, evitando as caricaturas que seriam mais simples para os dois personagens e dando-lhes contornos mais profundos.

Muito pouco é explicado, e a própria construção dos personagens não obedece os formatos usuais de nenhum dos estilos usados. A brincadeira de passar de drama para suspense pode causar algum estranhamento, mas tem um efeito interessante: presta-se muita atenção. Exibido em Cannes na mostra Un Certain Regard, Trabalhar Cansa é um exemplo do que o cinema brasileiro pode abraçar muito em breve.

Larry Crowne (Larry Crowne)

2011-09-21T20:07:00.000-03:00

Chegar ao topo da carreira, para um ator de Hollywood, significa ser capaz de geri-la sem muita interferência. Para alguns o caminho é fundar a própria produtora e continuar fazendo mais do mesmo, apenas ganhando duas vezes sobre o próprio trabalho. Para Tom Hanks, o sucesso representou a possibilidade de investir de fato no cinema. Ele começou, claro, produzindo, mas logo passou para o roteiro e a direção, estreando bem com The Wonders. Ele também ficou atento a novos talentos, e conseguiu pescar, de uma apresentação de stand-up comedy, a hoje conhecida Nia Vardalos - Hanks ajudou-a a transfornar o monólogo no divertidíssimo Casamento Grego.

E é com Nia Vardalos que ele divide o texto de sua última produção, Larry Crowne. Vardalos, depois daquele primeiro filme, não conseguiu o mesmo sucesso - na verdade, cada nova produção sua era um tanto pior que a anterior, ao ponto do quase constrangimento. Em parceria com Hanks o roteiro melhorou, mas ainda não despontou. Ele mesmo assina a direção, em um filme que parece feito para cumprir tabela.

A história, com o interessante mote da desconstrução do sonho americano como o não tão interessante trampolim para o, sempre ele, amor, tem poucas camadas. Com o próprio Tom Hanks no papel principal, atuando apenas o mínimo para ser convincente, Larry Crowne perde o emprego e é obrigado a rever tudo sobre sua vida - incluindo a perda do símbolo máximo do american dream, a casa no subúrbio. Sua parceira romântica é bem feita por Julia Roberts, numa atuação melhor que a de seu diretor. A participação especial do ex Star Trek George Takei no papel do professor de economia é excelente. E Wilmer Valderrama, rosto conhecido do seriado That 70’s Show, mostra potencial. Mas a melhor coisa do filme provavelmente é Gugu Mbatha-Raw, inglesa descendente de africanos que em seu primeiro papel em longas mostra uma ótima performance, fazendo frente ao regular Hanks com facilidade. Chego a pensar se, assim como com Vardalos, Hanks não estaria apostando na atriz novata com esse filme.

Apesar de simpático e tocante, falta algum vigor. Mesmo sem pretensão, o filme consegue avançar com bom ritmo - as mudanças físicas no personagem Crowne, promovidas pela colega de faculdade interpretada por Mbahta-Raw, quase sustentam esse ritmo. Aliás, é na relação entre Crowne e Talia - e não entre ele e a professora de Julia Roberts - que está praticamente toda a graça do filme, o que por si só diz muito em uma produção com a alcunha de comédia romântica. Há momentos engraçados, mas não há grandes risadas, assim como também não há muito romance. Um exercício de manutenção para Hanks, apenas um pouco de diversão para o público.

Os Smurfs (The Smurfs)

2011-09-07T21:16:00.000-03:00

Se você viveu em pelo menos um pedaço dos anos 80, você certamente assistiu a pelo menos um episódio dos Smurfs. Se já nasceu nos anos 90 ou depois, ainda assim provavelmente conhece as criaturinhas azuis e sua música repetitiva. Os personagens nasceram em 1958 como personagens de quadrinhos, e ganharam fama na TV durante a década perdida - o último episódio inédito foi ao ar em 1989. Há muito fala-se em um retorno dos Smurfs, e finalmente os boatos viraram realidade. Confesso que fiquei um tanto receoso quando soube que fariam um longa metragem - não é simples transformar episódios de 20 minutos em um filme de 120. E ainda mais quando soube que haveria interação com atores reais, em Nova York.

Saber que a produção contratou Raja Gosnel para a direção tampouco ajudou a melhorar a situação. Seu currículo conta com bobagens como Esqueceram de Mim 3, Vovó Zona e os dois fracos filmes do Scooby Doo. Tudo revelava uma combinação de ingredientes pouco promissora. Só as imagens da modelagem por computador dos seres com três maçãs de altura dava algum alívio.

Mas, no fim das contas, a mistura deu certo. Além da computação gráfica excelente, a história conseguiu unir o charme dos episódios curtos às necessidades de um longa. E, vejam só, esse charme veio justamente do fato dos Smurfs acabarem em Nova York. O início, mostrando a Vila dos Smurfs na Floresta Encantada, gera suspiros de nostalgia nos adultos, e de expectativa nas crianças. Elas são, aliás, o grande público do filme - ao contrário de outros com a mesma origem que tentam agradar os trintões como se eles fossem pequenos. É por isso que Smurfs funcionou no cinema: usou o foco certo e fez um filme infantil simpático e agradável.

Claro, não foge dos clichês do gênero ao colocar o tom moralizante, na figura de um homem preparando-se para ser pai. Neil Patrick Harris, conhecido de diversas séries televisivas, faz seu papel sem exageros. Jayma Mays, seu par, já perde levemente a mão e não resiste à fofura azul. Hank Azaria, a quem coube o vilão Gargamel, estudou bem o personagem animado e atua com desenvoltura, inclusive na sua interface com o gato virtual Cruel - também excelentemente modelado e animado. Feito para crianças como deve ser, divertido e descompromissado.

Planeta dos Macacos: A Origem (Rise of the Planet of the Apes)

2011-09-06T20:43:00.000-03:00

Planeta dos Macacos é parte do cabedal cultural de boa parte do ocidente. Mesmo que seja fácil encontrar alguém que, hoje, não assistiu ao filme original ou a alguma das continuações da década de 70, é difícil que algo da história não seja familiar. Pode ser a icônica cena final do primeiro, com a Estátua da Liberdade destruída, pode ser simplesmente a imagem de macacos falantes dominando o mundo, ou alguma das muitas frases que ultrapassaram as décadas. E, como toda herança cultural, há sempre muito barulho quando se mexe nela. O filme de Tim Burton de 2001, tecnicamente falando, não é ruim, pelo contrário. Mas a história foi muito mudada para que pudesse ser aceita - para quem não lembra, ou não viu, no original o astronauta cai num planeta dominado por macacos que descobre-se depois ser a terra no futuro; na versão de Burton, trata-se também do futuro, mas em um outro planeta, que para piorar, no final, revela-se extremamente parecido com a Terra, mas construída pelos macacos.

A nova tentativa de relembrar a história não busca mudá-la ou refazê-la, mas sim explicar suas origens. No original, a evolução dos macacos é atribuída à guerra nuclear - sempre ela nos filmes da época da guerra fria. Agora, um tratamento genético experimental faz um chimpanzé desenvolver inteligência superior à de um ser humano. Novamente, muitos não vão gostar tanto assim da explicação, e vão torcer o nariz. E, novamente, é um bom filme, tecnicamente falando. A produção é excelente, os efeitos especiais são soberbos, e os pequenos detalhes de roteiro feitos para os fãs ardorosos da trama original estão ali - cita-se a primeira viagem tripulada à marte, e o subsequente desaparecimento dos astronautas, sem falar nos nomes e alguns diálogos.

A grande sacada desta versão é a utilização da captura de movimentos e expressões. Andy Serkis, sempre ele, dá vida à Cesar, o chimpanzé super inteligente, com realismo. Ele chega a sutilezas como “evoluir” a forma de se movimentar, parecida com a de um primata comum, mas levemente aprimoradas. A atuação virtualizada de Serkis supera de longe a de James Franco como o cientista que cria a terapia genética. Felizmente, há a presença do veterano John Lithgow enobrecendo as cenas em que participa. Freida Pinto, conquistando Hollywood, não surpreende. Brian Cox aparece pouco mas convence bem, e Tom Felton, em seu primeiro papel pós Harry Potter, faz um personagem muito parecido com o seu Draco Malfoy - é ele que diz a fala mais conhecida do filme original, “Tire suas mão fedidas de mim seu maldito macaco sujo!”

A explicação, em si, é boa, por colocar Cesar em uma posição em que não restava muito a fazer senão tentar se impor sobre os pobre humanos intelectualmente inferiores. Falta alguma emoção em certas partes, e foi um certo exagero colocar o orangotango conversando com sinais com Cesar - dá a impressão de que ele, também, é extremamente inteligente antes de receber o remédio. Colocados lado a lado, deixando a emoção de fora, a versão de Burton ganha. Mas, por não contrapor tanto a história, esta vai agradar mais.

Amor a Toda Prova (Crazy Stupid Love)

2011-09-05T11:25:00.000-03:00

É bastante possível que um número considerável dos filmes que chegam ao Brasil sejam comédias românticas. Estatisticamente, a maioria é só água com açúcar puro. Um outro bom número é bem fraco, e são bem poucos os que mostram realmente algum potencial, e menos ainda os que merecem a etiqueta de um filme muito bom. Amor a toda prova - uma tradução desnecessária de Crazy Stupid Love - está na faixa dos que mostram potencial.

Dirigido por Glenn Ficarra e John Requa, dupla que antes já havia comandado junto o bom O Golpista do Ano - aquele em que o Rodrigo Santoro faz uma ponta como namorado gay do Jim Carrey - e escrito por Dan Fogelman, que tem várias animações no currículo, incluindo os dois Carros, Bolt e recentemente o muito bom Enrolados. O filme não é todo bom, mas há algumas cenas e diálogos excelentes.

O elenco foi todo muito bem escolhido, começando por Steve Carell no papel principal do, como sempre, cara bonzinho, papel que o ator faz quase de cor. Sua parceira Julianne Moore, talvez por não ter se deixado acostumar com um personagem, ganha de Carell em todas as cenas. Mas ambos perdem para Ryan Gosling, sempre um bom ator em um papel competente - aqui, um conquistador cafajeste moderno. Apenas Emma Stone tem uma atuação fraca, exagerada e destoando do grupo. O elenco “infantil”, com Jonah Bobo e Analeigh Tripton, sai-se muito bem também - entre aspas porque Tripton, apesar de interpretar uma adolescente, já tem 23 anos.

As qualidades que fazem de uma comédia romântica grandiosa são raras. Infelizmente, são abundantes as que a fazem ser bem ruim. Amor a toda prova não chega a alcançar a grandiosidade, mas foge com charme das características ruins. Poderia explorar melhor alguns dos ótimos momentos, mas pelo menos os têm. Vale pela diversão descompromissada.

Lanterna Verde (Green Lantern)

2011-08-25T20:49:00.001-03:00

Há alguns anos um site promoveu uma votação para a melhor arma da ficção. Valia qualquer arma de qualquer fonte - cinema, livros, desenho animado, videogames e, claro, quadrinhos. A discussão acalorada que se seguiu atraiu nerds, geeks e seres estranhos de todos os tipos, cada um ansioso por saber qual seria, afinal, a melhor arma já imaginada. Quando a lista saiu, divulgada, claro, em ordem inversa, a emoção crescia conforme os números baixavam, indicando a proximidade do primeiro lugar. Já tinhamos passado pela Mjolnir do Thor, pelos sabres de luz dos Jedi, por metralhadoras mega-blaster de vários videogames, até pela Estrela da Morte de Darth Vader. E a arma que, enfim, foi a vencedora, calou a todos. Era simples, e óbvio: o anel dos Lanternas Verdes. A arma que podia ser qualquer uma das outras, limitada apenas pela sua imaginação.

É de espantar, então, que o primeiro filme a mostrá-la na telona careça justamente de imaginação. A equipe de roteiristas, a maioria egressos de séries televisivas, não soube acertar o tom na forma de apresentar o herói. O ritmo é péssimo, exageradamente acelerado em algumas partes e penosamente lento em outras. Toda a parte da origem do anel e do herói - que seria a mais interessante neste primeiro - passa rápido demais. O vilão mal aparece e já é derrotado. O roteiro, inclusive, exagera nas “homenagens”. Hal Jordan é piloto filho de um piloto que morreu, e por isso trava algumas vezes em situação de perigo. Todos nós já vimos isso antes, em Top Gun. E tentar frases de diversos heróis para ativar o poder do anel? Homem-Aranha, o primeiro, usou a mesma coisa. Um dos vilões sempre teve ciúmes do herói por que seu pai o admira mais que a ele, seu próprio filho? Homem-Aranha de novo. E para completar a mistura, o diretor Martin Campbell, acostumado a filmes onde justamente o ritmo é essencial, como a série James Bond, não soube fazer um bom prato disso tudo.

Em compensação, os efeitos visuais são deslumbrantes. O uniforme de Hal Jordan, a que muitos torceram o nariz quando souberam que seria inteiramente em computação gráfica, é excelente, certamente uma evolução que os criadores dos quadrinhos não pensaram. O planeta dos Lanterna, Oa, é sensacional, e os Guardiões idem. A variedade de seres no planeta é incvrível - alguém mais viu um autobot? Ajuda no deslumbramento a bastante real e humana belíssima Blake Lively, mostrando que pode não ser só um rostinho bonito se se esforçar. Ryan Reinolds, no papel principal, exagera um pouco o tom para mais e para menos, nos dois momentos do personagem. Mas o destaque de atuação vai para o futuro vilão Mark Strong como Sinestro.

Infelizmente, rostos bonitos e CG sozinhos não sustentam um filme, e o resultado final é apenas médio. Acaba não sendo tão interessante, já que a parte da origem não é explorada, nem tão emocionante, já que as descobertas do herói e a batalha final são rápidas demais. Mas como é certo que virá uma segunda parte, esperemos pelo melhor.

A Árvore da Vida (The Tree of Life)

2011-08-17T20:30:00.002-03:00

Terrence Malick filma há quase quarenta anos. Antes disso, formou-se me filosofia em Harvard e dava aulas da matéria no MIT. Apesar do tempo de carreira cinematográfica, tem só cinco longas no currículo. Sua estreia na sétima arte, Terra de Ninguém, espantou de tal maneira a crítica que seu filme seguinte foi ansiosamente aguardado. E assim tem sido desde então, apesar do diretor só lançar uma nova produção a cada 5 a 10 anos. Um novo filme de Malick é, portanto, um evento. Ouvir que sua última obra ganhou a Palma de Ouro em Cannes com elogios rasgados só aumenta a expectativa.

Todas as obras de Malick tem uma forte base em sua formação filosófica. Por isso mesmo, são todos filmes não muito fáceis de assistir, com construção e ritmo que torna frequentes as evasões das salas comerciais por onde passa. A Árvore da Vida é o resultado de uma carreira de quatro décadas, então todos as características do cineasta estão altamente apuradas - o que representa um esforço adicional exigido do público. A história aqui é contada uma parte pelos personagens, e outra, talvez maior, pelas imagens. A edição riquíssima contou com a participação do brasileiro Daniel Rezende, de sucessos nacionais como Cidade de Deus e os dois Tropa de Elite.

O elenco é mínimo - o que reforça a necessidade da história ser contada não apenas pelos personagens. Basicamente temos um pai, uma mãe e dois filhos - há um terceiro, mas que não participa ativamente da trama. A história gira em torno da família e da sua perda, e do vazio que isso deixa no irmão mais velho. Brad Pitt faz o pai, ao mesmo tempo duro e carinhoso, com uma atuação centrada ao extremo, cada expressão cuidadosamente elaborada. A mãe é vivida pela pouco conhecida Jessica Chastain, com uma performance excelente. O filho mais velho, quando criança, coube ao novato Hunter McCracken, que não deve em nada ao seus companheiros mais velhos; Sean Penn dá vida ao filho quando adulto, em uma participação pequena mas cheia de energia.

O filme é lento e não linear. Malick chega a abusar da atenção da audiência ao interromper o primeiro terço da fita com uma sequência de origem do universo e da própria vida - mas não se engane, há um motivo para isso. É o tipo de filme que cinéfilos e críticos amam, mas que o público geral estranha, tamanha é a diferença do estilo do diretor. É uma peça cinematográfica fantástica, em que cada pequeno pedaço tem sua razão de estar lá, mas nada é mastigado. Coloque a cabeça para funcionar e arrisque-se, pois vale a pena.

Capitão América - O Primeiro Vingador (Captain America: The First Avenger)

2011-08-09T07:48:00.000-03:00

Em um ponto precisamos tirar o chapéu para a Marvel. Sua estratégia de transformar seus quadrinhos em filmes é bem sucedida, e com o incrível adicional de conseguir amarrar, mesmo com diferentes diretores e produtores envolvidos, várias histórias para o esperado Vingadores. E um bom filme do Capitão América é justamente a peça que faltava antes da chegada do grupo de heróis - tanto que é o próximo lançamento da editora nas telonas. A expectativa com a primeira aventura do herói mais americano de todos provavelmente deixou alguns fãs mais puristas um tanto decepcionados.

É o primeiro filme de um super-herói dos quadrinhos, que será apresentado para um público que sabe pouco ou nada sobre ele. Isso significa, necessariamente, um bom pedaço da fita com formato drama, explicando quem é o personagem, como ele se torna o herói e as origens da sua personalidade. Nada de ação no primeiro terço da fita, e muito pouco no segundo também. Mas a ambientação, nos momentos mais quentes da Segunda Guerra Mundial misturado com o futurismo antecipado típico dos quadrinhos, dá um tom especial a esse começo. Joe Johnston, o diretor, foi escolhido justamente por isso, pela experiência com Rocketeer e O Céu de Outubro. É verdade que um diretor melhor tiraria mais da história, mas Johnston funciona bem.

O elenco conta com estrelas como Hugo Weaving fazendo um vilão levemente mais caricato do que o necessário, e um Tommy Lee Jones totalmente à vontade em seu papel. Stanley Tucci participa do início em uma excelente atuação, e o Capitão tem a companhia da bela e talentosa Hayley Atwell em boa performance. Mas é Chris Evans que espanta. Acostumado a papéis bobos e a filmes baseados em quadrinhos - este é o seu sexto - ele impressiona com a melhor interpretação da sua carreira. Dizem que ele quase implorou para que não usassem um outro ator, parecido e magro, para o início do filme, pois ele achava que os momentos iniciais eram chaves para o públicos e identificar com o personagem. Resolveram com uma computação grárfica espantosa - sim, não houve nem mesmo dublê de corpo, é o próprio Evans emagracido digitalmente. Sua atuação como o rapaz franzino, mas corajoso, encaixou perfeitamente com o Steve Rogers - acredito que mesmo os puristas mais radicais vão admitir isso.

O resultado final é um filme muito bom, capaz de mostrar um personagem já não muito utilizado nos quadrinhos hoje para um público que o conhece muito pouco. Alguns críticos apontaram defeitos como a “doçura” ao apresentar um cenário de guerra poetisado e quase ingênuo - houve um que apontou o Tenente Aldo Raine de Bastardos Inglórios como um Capitão América adaptado aos dias de hoje. Acho bobagem. O personagem foi mostrado como tendo vivido àquela época, e sujeito à imagem que se fazia da guerra então - além de ser mais fiel aos quadrinhos assim.

Assalto ao Banco Central

2011-08-08T19:20:00.013-03:00

Em 2005 o Brasil foi palco de uma operação criminosa única. Mais de 160 milhões de reais em dinheiro vivo foram roubados do Banco Central de Fortaleza, através de um túnel cavado durante três meses ligando uma casa na vizinhança ao cofre do BC. Se alguém tivesse inventado essa história, já poderia valer um filme muito interessante. E os produtores de cinema brasileiros seriam muito desleixados se não transformassem em filme essa impressionante história real.

Sabe-se muito pouco do assalto real, o que dá liberdade para uma história mirabolante quando se pretende fazer ficção usando o fato como base. Nada explica, então, que o filme leve às telas uma operação quase espartana, contando com pouco mais que meia dúzia de bandidos. No momento de conceber o roteiro, havia a opção de tentar uma superprodução brasileira, ou algo mais modesto, com claras consequências de qualidade. Optaram pela segunda opção.

Estruturalmente, o filme é ótimo. Tem um elenco exemplar, contando com talentos do novo cinema nacional como Milhem Cortaz, Gero Camilo, Hermilia Guedes e Vinicius de Oliveira, juntos de nomes de peso como Lima Duarte e Giulia Gam, além de participações especiais do peso de Milton Gonçalves e Antonio Abujamra, todos em atuações bastante competentes. Tem um roteiro bem amarrado, com aqueles detalhes fora de eixo que tornam a história divertida, e tenta fazer um estilo vai e vem no tempo que, embora não tenha ficado excelente, ajudam a manter o ritmo.

Mas, ao que parece, essa história merecia uma superprodução. O defeito da fita é justamente a produção pouco elaborada. Uma pequena aprofundada no roteiro, uma boa dose de outros rostos no bando - sem a necessidade de introduzir características em cada um deles - e já teríamos um filme ainda mais rico e envolvente.

Harry Potter e as Relíquias da Morte - parte 2 (Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2)

2011-07-20T21:40:00.024-03:00

Como negócio, a franquia Harry Potter é certamente um dos maiores acertos tanto no mercado editorial quanto no cinematográfico. Basta dizer que a autora J. K. Rowling é hoje uma das pessoas mais ricas da Inglaterra. Dividir a última aventura do bruxo em duas para o lançamento no cinema foi uma tática excelente – sem muito esforço, mais que dobrou o faturamento da parte final da história. Já falando em qualidade de cinema, foi uma série com altos e baixos bem marcados. Tomo a liberdade de iniciar esta crítica com uma revisão rápida dos outros filmes.

O primeiro, a Pedra Filosofal, merece o mérito de ter apresentado o universo a todos aqueles que, como este crítico, não leram os livros. Também deve ser lembrado por ter, de cara, convidado alguns nomes chaves muito bons para o elenco, que se repetiriam ao longo de toda a série. Mas, mesmo lembrando que o público alvo era principalmente crianças na mesma idade dos personagens principais então, não chega a ser um filme excelente, em boa parte por conta das limitações do diretor Chris Columbus, o que faz do segundo, a Câmara Secreta, até um pouco menos empolgante que o primeiro. É exatamente isso que espanta com o Prisioneiro de Azkaban. O salto em qualidade, que vai do cuidado na fotografia à exploração dos atores, é notável, fazendo dele claramente o melhor e, à época, causando uma empolgação com o futuro da série que, infelizmente, não se concretizou por completo. Alfonso Cuarón dirigiu apenas esse, deixando um legado que seus sucessores não foram capazes de honrar. Mike Newel, que dirigiu o seguinte Cálice de Fogo, aparentemente foi chamado apenas para tapar o buraco, já que depois dele David Yates assumiu até o final. Newel até fez um bom trabalho, superando um pouco Columbus, mas claro que não ao ponto em que Cuarón deixou. Mas a bomba caiu com o primeiro dirigido por Yates, a Ordem da Fênix, o mais fraco. Provavelmente por inexperiência, já que antes desse não havia nada de muita qualidade no seu currículo. Faltou praticamente tudo aqui, gerando um filme insosso. Ele se recuperou no seu segundo, o Enigma do Príncipe, que mesmo sendo melhor que o anterior, ainda é médio demais para uma franquia desse porte. Aparentemente, ele estudou bem - ou foi muito bem assessorado - para os dois filmes da parte final, que subiram o tom a ponto de salvar a despedida do bruxo das telonas.

Com os personagens todos já exaustivamente apresentados, e com boa parte da evolução inicial deixada na primeira metade, o derradeiro filme pode começar com o ritmo certo - um dos problemas maiores de Yates. O filme flui bem, apesar de uma certa confusão de resolução no terceiro ato. Um dos problemas - na verdade causado já na origem, no livro - é a quantidade de personagens que participam em pedaços muito curtos. Felizmente, o elenco foi muito bem escolhido, e nomes do porte de John Hurt, David Thewlis, Jim Broadbent, Gary Oldman, Emma Thompson e o novato na série Ciarán Hinds fazem suas pontas com desenvoltura. Emma Thompson, aliás, mal faz uma ponta, aparecendo menos de dois segundos na tela. Uma pena que os jovens atores não tem ainda a experiência para dar um pouco mais do que o diretor consegue extrair. Familiarizados com seus personagens mas sem uma tutela forte, Daniel Radcliffe, Emma Watson e Rupert Grint acabam não sendo páreo para Helena Bonham Carter - que numa das cenas iniciais mostra o quanto talento e experiência contam - e Ralph Fiennes. Fazendo uma comparação, o mesmo não aconteceu em Prisioneiro de Azkaban. Radcliffe, sob a batuta de Cuarón, divide a tela com Oldman quase em pé de igualdade.

A história tem algumas falhas aqui e ali, claramente por conta do livro, com algumas escolhas feitas apenas para o óbvio final feliz, que acabam enfraquecendo a trama. A escolha do 3D justamente para esse final foi só para aproveitar o restante de hype sobre a tecnologia. Não assisti em 3D mas, como o filme é bastante sombreado, com a maioria das cenas com pouca iluminação, imagino que os óculos deixem tudo escuro demais. Mas tudo isso, claro, vem de uma análise que ninguém, exceto críticos - ainda que autointitulados - farão. A aventura e a diversão estão garantidas, e as emoções de um final grandioso estão todas lá.

Carros 2 (Cars 2)

2011-07-03T13:45:00.000-03:00

Carros sempre foi o filme mais fraco da Pixar. Claro que, no nível da Pixar, ser o mais fraco ainda é bastante bom. Mas não o suficiente para gerar uma continuação. Aliás, continuações não são a onda da Pixar. Salvo este, apenas Toy Story teve continuações - diga-se de passagem, muito bem sucedidas. Parece que o pesadelo dos amantes do estúdio ao saber da compra da Pixar pela Disney, afinal, deve ser considerado, já que tudo indica que não havia outro motivo que não o financeiro para um segundo Carros.

A animação continua excelente, claro. É notável, inclusive, o avanço em relação ao primeiro, não apenas na quantidade dos impressionantes cenários, mas nas próprias texturas dos carros. Uma das cenas na Inglaterra mostra a bandeira britânica flamulando com um realismo inimaginável. O roteiro, apesar de mais complexo, é tão superficial quanto o primeiro.

A impressão de um filme mais complexo vem também da adição de vários novos personagens. Na verdade, personagens demais. Apesar da trama de espionagem feita para os amantes dos filmes antigos do James Bond, o excesso de novas caras - ou novos parachoques - atrapalha. Apesar disso, gostaria de ter a oportunidade de ver os talentos vocais de atores do calibre de Michael Caine e John Turturro. Na versão brasileira, a dublagem do agente secreto Finn McMissile não convence.

Bem, cinema é, afinal, um negócio, antes de ser arte. E uma coisa é certa, Carros 2 faz sucesso com a criançada, que no fim das contas é o que importa. Mas que todos os que acompanham a sequência de sucessos da Pixar gostariam de ver algo com a qualidade de sempre na telona, isso também é certo. Vale só pela diversão.

Meia-Noite em Paris (Midnight in Paris)

2011-06-26T11:14:00.001-03:00

É impressionante que um diretor com 75 anos faça um filme por ano com tal qualidade. Mas não estamos falando de um diretor qualquer. Woody Allen, desde Match Point, parece ter renovado sua fonte de inspiração ao mesmo ponto do início da sua carreira. Inclusive, suas últimas três produções, incluindo esta, são agradáveis viagens ao Allen dos velhos tempos.

Meia-Noite em Paris traz de volta o personagem caricato, ansioso e levemente esquizofrênico que antes o próprio Allen interpretava. Aqui há como sempre uma mistura de comédia com drama, e aquela maneira de dizer algumas verdades que só um veterano das telonas consegue. O contraste entre os dias e as noites na Cidade Luz são bem explorados com os ângulos de câmera típicos do diretor.

No elenco, um Owen Wilson bem explorado como talvez só Wes Anderson tenha conseguido, explorando o lado cômico sem precisar ser exagerado. Suas contrapartes, Rachel McAdams e Marion Cottilard, são quase opostas em personagens e qualidade de atuação, com clara vantagem para a última. Aliás, a presença de atores franceses no elenco é sempre excelente, com destaques para Gad Elmaleh, que sem um único diálogo ganha suas cenas. Mas não podemos deixar de citar participações excelentes de Michael Sheen, Corey Stoll e Katy Bates.

A trama explora bem o ambiente cultural europeu do início do século XX, e um conhecimento prévio da época ajuda bastante a temperar o humor, mas não chega a ser obrigatório. Como um Woody Allen mais maduro, é um filme capaz de agradar um público mais amplo tanto quanto os cinéfilos. Excelente e imperdível.

Kung Fu Panda 2 (Kun Fu Panda 2)

2011-06-15T10:55:00.000-03:00

Hollywood é, antes de tudo, um negócio. Então, se um filme fez sucesso, é bastante provável que uma continuação será feita. Se isso pode gerar resultados péssimos como Se Beber Não Case 2, felizmente no mundo da animação a perda é um pouco menor - salvo no caso do Shrek, que foi piorando até ser salvo pelo número 4. Kung Fu Panda 2 é a típica continuação feita para arrancar nosso precioso dinheirinho: a mesma fórmula, o mesmo ritmo e, como tudo hoje em dia, 3D.

A direção saiu das mãos de Mark Osborne e John Stevenson para as de Jennifer Yuh, que foi uma das artistas responsáveis pela história no primeiro, e que antes disso só tinha experimentado dirigir em um episódio da série animada Spawn. O visual do filme enriqueceu com mais cenários e uma iluminação mais atenciosa. E isso é quase tudo que há de evolução.

Claro, continua divertido, e muito. É impressionante a qualidade da animação, especialmente nas cenas de luta, e o humor é bem afiado - o suficiente para fazer adultos rirem também. A história, que agora gira em torno da dualidade salvar o kung fu e conseguir a paz interior, tem as moralidades de sempre, mas sem ser muito piegas. Pela lista de dubladores originais, pode-se imaginar que as atuações são muito boas - infelizmente este crítico não assistiu a versão legendada. Mas como o Brasil é um dos melhores dubladores do mundo, a qualidade da versao nacional é muito boa. Típico filme de férias, abrindo a temporada dos grandes lançamentos do verão no hemistério norte, Kung Fu Panda 2 é um bom programa para quem tem crianças por perto - ou para quem secretamente quer alimentar a criança interior.

X-Men - Primeira Classe (X-Men: First Class)

2011-06-13T11:42:00.000-03:00

Num não tão longínquo 2000 estreava a primeira adaptação na nova geração de filmes baseados em quadrinhos da Marvel, o primeiro X-Men. Como sempre, críticos e fãs divergiram quanto ao embate entre qualidade cinematográfica e fidelidade à origem da história. Três continuações depois, nem todas bem sucedidas, caímos na quase inevitável “prequência”, o filme que mostra o início de tudo. Para o desespero ds puristas dos quadrinhos, a First Class desses X-Men não tem Cíclope, Jean Grey, Iceman e Arcanjo.

Felizmente, há qualidades. A história, baseada nos diferentes começos de Charles Xavier e Eric Lansherr, e na relação entre eles, usa de forma inteligente eventos reais da época da Guerra Fria em seu auge. Usa bem os efeitos especiais, e também o elenco.

Inicialmente, este filme seria sobre Magneto. O alemão Michael Fassbender dá um tom bastante convincente à tortuosa história do personagem, em uma atuação compatível com seu talento pouco utilizado. O mesmo não acontece com Charles Xavier. Apesar de bem interpretado por James McAvoy, a personalidade não combina em nada com o que já se viu do Professor X, mesmo pensando em como ele seria como um jovem adulto. As atuações, de forma geral, estão bastante boas. Infelizmente, a performance de Nicholas Hoult é sublimada pela péssima maquiagem do Fera - especialmente tendo como referência p excelente resultado do mesmo personagem no terceiro X-Men.

É uma pena que em um filme com tantos bons detalhes, sejam os ruins que sobressaem. Mas é fato. A impressão geral que se tem ao final da fita é algo como “até que é legal, mas o que fizeram com o Fera?”. Esse e outros pontos falhos acabam dando um produto final regular, ainda que muito superior ao filme solo do Wolverine que o antecedeu.

Eu Não Quero Voltar Sozinho

2011-06-10T20:28:00.000-03:00

Nunca tinha me passado pela cabeça usar este espaço para promover alguns curta-metragens, que você pode assistir aqui mesmo no blog. Pois hoje deparei-me com o belo e sensível Eu Não Quero Voltar Sozinho, curta de Daniel Ribeiro premiado em vários festivais nacionais e exibido também lá fora.

O filme, em pleno 2011, foi censurado no Acre, onde a Assembleia Legislativa proibiu sua exibição na escola Armando Nogueira, esta semana. Sem debate, simplesmente desqualificaram a produção, o que gerou uma carta de repúdio que você pode ler na íntegra aqui.

Assista e veja, além do excelente trabalho de Daniel Ribeiro, o quanto nossa sociedade precisa evoluir.

Se Beber Não Case 2 (The Hangover 2)

2011-06-06T20:05:00.000-03:00

Quando Se Beber Não Case saiu em 2009, o ritmo louco e o aparente nonsense alinhado a um ritmo de comédia como há muito não se via conquistou o público. Mas há casos em que não é possível repetir a fórmula, e este é um deles. Saber que haveria uma continuação já era prelúdio para olhares tortos por parte da crítica. E tudo se confirma assim que o filme se desenrola na tela.

A produção nem mesmo se esforça em tentar evoluir um pouco. Ao contrário, a própria construção é exatamente a mesma, o mesmo tipo de apresentação, os mesmos ângulos, os mesmos cortes. Muito pouco foi acrescentado, e tudo o que há de diferente só torna o filme ainda pior.

Agora, misturado ao mistério da ressaca que os personagens devem descobrir, juntaram-se cenas extremamente apelativas - desnecessárias, como o primeiro bem prova. E só. Todo o resto é cópia do original piorado. Sim, há algumas cenas engraçadas, mas tudo poderia ter sido mais em feito - ou, pensando melhor, não deveria ter sido feito. Os talentos envolvidos na produção certamente poderiam ser direcionados para um material original, capaz de, ao menos, aspirar superar o sucesso do filme de 2009.

Um Lugar Qualquer (Somewhere)

2011-06-06T14:00:00.000-03:00

Quando Francis Ford Coppola abriu sua produtora independente American Zoetrope, a ideia era dar vazão aos talentos ocultos de cineastas desconhecidos, levando mais arte para o cinema norte-americano. Mas pedidos insistentes dos grandes estúdios - sem falar nas somas também grandes de dinheiro oferecidas a ele - acabaram por desviá-lo do objetivo inicial, e ele ficou mais conhecido por grandes produções como a série Poderoso Chefão e Apocalipse Now. Foi sua filha, Sofia Coppola, quem conseguiu, enfim, seguir o caminho que seu pai gostaria. Cineasta de ideias e estética próprias, em seu currículo só há, por enquanto, um filme que pode chamar-se de grande produção, Maria Antonieta. Os demais são todos um pouco estranhos ao público geral, seja por não chegar às salas comerciais, seja por não fazerem o estilo que agrada à maioria.

Sua última produção, Um Lugar Qualquer, é talvez o mais artístico dos seus filmes. Centrado todo em um único personagem, que é atormentado pelo que não acontece em sua vida, pela falta de perspectivas, o longa tem um ritmo lento, poucos diálogos, e diversas tomadas com vários segundos em um único foco. O suficiente para desavisados saírem da sala antes de terminar o primeiro ato.

Stephen Dorff interpreta o ator sem rumo com bastante eficiência, e as lentes de Sofia não falham em transmitir a angústia do personagem para o público - muitas das tomadas lentas são closes nele. O contraponto é feito pela excelente Elle Fanning - atriz tão boa quanto sua irmã mais famosa, Dakota - que espanta com o realismo com que faz a filha do ator. Uma boa sequência do filme a mostra conversando com um dos amigos do ator, interpretado por Chris Pontius, em um diálogo totalmente improvisado, excelente.

O roteiro é bem trabalhado para fazer com que o público preencha algumas lacunas, e termina exatamente no ponto em que a história precisaria mudar muito para funcionar. Infelizmente, são exatamente essas qualidades que espantam o público acostumado aos roteiros mastigados das produções hollywoodianas, o que faz com o que o filme fique restrito, ao menos no Brasil, aos poucos cinemas de arte, aos festivais, e às sessões cult que algumas redes ainda arriscam fazer.

Thor (Thor)

2011-05-05T14:07:00.000-03:00

Quando se pensa em filmes de heróis dos quadrinhos, há uma certa fórmula que nos vem à mente, e que inclusive tem se mostrado eficiente nas produções mais recentes. À exceção do trabalho soberbo feito por Christopher Nolan nos recentes filmes do Batman, em especial Cavaleiro das Trevas, todos os outros primeiros filmes devem mostrar a origem do herói para um público não necessariamente acostumado aos quadrinhos. Isso toma muito tempo da história para contar descobertas, transformações e epifanias, e normalmente só nos minutos finais há a batalha épica esperada.

Thor parte de um princípio levemente diferente: o personagem já é um herói, poderoso e ciente do seu poder, apesar de incompleto. Seu principal inimigo também já conhece seus poderes. E com isso a história parece começar de trás para frente. Ou, para ser mais preciso, lembra em diversos detalhes a peça Henrique V, de Shakespeare. Não por acaso, o diretor é Kenneth Branagh, conhecido por diversas adaptações do bardo para a telona.

Branagh reuniu um elenco estrelar. Anthony Hopkins no papel de Odin é uma escolha irrepreensível, assim como Stellan Skarsgård e Natalie Portman. Mas as boas surpresas estão no protagonista e antagonista, ambos vividos por atores não muito conhecidos. Chris Hemsworth tem o rosto, o porte e a voz de Thor, além de ser um ator competente. Mas a cena é roubada memso pot Tom Hiddleston como Loki. Sua atuação tem nuances sensacionais, transformando um papel já difícil em uma performance soberba.

Apesar de todas essas qualidades, parece que no final da sessão faltou algo. Pensando novamente nos filmes de heróis de quadrinho, a impressão é de que pouco foi aproveitado das cenas de ação esperadas. Branagh parece ter tentado colocar muita profundidade shakespereana, mas não se ligou para o que o gênero praticamente exige. Isso pode ser bom, e Cavaleiro das Trevas, novamente, é um exemplo primoroso disso. Mas Thor não alcança os mesmos níveis, e acaba sendo um bom filme, mas não dos melhores de heróis dos quadrinhos.

Rio (Rio)

2011-04-14T19:21:00.001-03:00

Uma animação do principal nome brasileiro no mundo do CG, ambientada no Rio de Janeiro é, por si só, um motivo mais que válido para comprar o ingresso. Felizmente, uma vez dentro da sala, as recompensas vão se somando. Rio traz de volta um pouco do ambiente criativo das primeiras animações por computador, quando o custo alto de cada pequeno trecho de filme era muito alto, e por isso o cuidado com o roteiro era extremo. Aliado às novas técnicas e capacidades tecnológicas, e apoiando-se na diversidade cromática brasileira, é um deleite para os olhos.

Carlos Saldanha, desde o começo, arrisca em sua BlueSky mais que outros estúdios, mesmo que a Pixar, quando o assunto é ação e, digamos, física aplicada à animação. Vimos isso nos três A Era do Gelo, e mesmo em Robôs. Com os pássaros de Rio, essa característica de Saldanha literalmente ganha asas. E mesmo assim a intensidade das cenas é sempre coerente com o roteiro.

Com todo respeito aos dubladores meus conterrâneos, se puder, prefira assistir a versão legendada. Não só as atuações vocais de Anne Hathaway, Jesse Eisenberg, Will.i.am, Jamie Foxx e Jemaine Clement, para citar só os principais, estão excelentes, como há alguns trechos de diálogo em que a confusão entre línguas é essencial - aliás, gostaria se saber como fizeram com os momentos em que Linda não entende quando falam com ela em português. Quem assistiu à versão dublada, por favor, coloque nos comentários.

Ah, sim, tem a tal polêmica do filme mostrar um Rio feito só de praias, favelas e carnaval - e feito por um brasileiro, ainda por cima. Bobagem. Pra começar, a intenção nunca foi retratar a realidade. Além disso, o Rio que aparece no filme é, de certo modo, fiel, apesar de segmentado. Mas não se importe com isso. Entre no cinema com a certeza de diversão e risadas garantidas.

Sem Limites (Limitless)

2011-04-03T13:58:00.009-03:00

Em 2006, um filme bastante interessante envolvendo um ilusionista estreou nos cinemas. Tinha uma fotografia muito bem feita, bons atores bem dirigidos, uma trama envolvente. O Ilusionista foi, infelizmente, foi quase eclipsado por Christopher Nolan e seu excelente O Grande Truque. Mas o diretor, então em seu segundo longa, conseguiu colocar uma pequena marca, daquelas suficientes para que prestemos atenção. Neil Burger dirigiu ainda outro longa, o desconhecido The Lucky Ones, antes de conseguir voltar ao grande circuito comercial com Sem Limites.

O que primeiro observamos no filme é que Burger realmente gosta de usar bem a fotografia. Aqui, ela se torna praticamente o estado de espírito do personagem principal em cena, saindo do cinzento para o colorido quando Eddie Morra, o protagonista, está sob o efeito da droga que o torna hiper inteligente.

Bradley Cooper, no papel principal, não chega a despontar, mas também não desaponta. Acompanhado da ligeiramente mais talentosa Abbie Cornish, e do notoriamente genial Robert De Niro, há uma boa equipe em frente às telas. E há ainda lugar para algumas surpresas como Andrew Howard em uma atuação bastate competente.

A história, que nos trailers parece se tratar de mais uma daquelas fábulas modernas com moral discutível, é bem aproveitada por Burger, inclusive fugindo desse estigma para quase o extremo oposto. O resultado final é um filme muito bom, embora não o bastante para entrar no circuito dos excelentes.

Sexo Sem Compromisso (No Strings Attached)

2011-03-20T07:55:00.001-03:00

Ivan Reitman está na memória de todos que viveram nos anos 80. Você talvez não conheça o nome, mas certamente já viu alguns dos seus filmes. Pode não ter sido os tolos Almôndegas - sim, existe um filme com esse nome - e Recrutas da Pesada; talvez o OK Irmãos Gêmeos, possivelmente algumas das suas comédias dos anos 90 como Junior. Mas, mesmo que não tenha assistido, você sabe que existiu Os Caça Fantasmas.

É bem verdade que nenhum outro comandado por Reitman tenha alcançado tanto sucesso. Não ajuda a sua preferência por comédias muito muito bobas como as citadas acima. Mas aqui ele muda um pouquinho de direção com uma comédia romântica bem trabalhada. Não é extremamente inteligente nem profunda, mas está alguns níveis acima de seus outros trabalhos.

O casal principal é formado por Natalie Portman e Ashton Kutcher. Portman sai da sua excelente performance em Cisne Negro, que lhe consagrou finalmente como atriz, para um papel bastante confortável para artistas como ela. Kutcher, bem, como sempre, parece representar a si mesmo. E leva uma lavada de atuação de Portman em literalmente todas as cenas. Aliás, não só dela como do elenco de apoio, que vai de Kevin Kline aos não tão conhecidos Ludacris e Jake Johnson. Ainda assim, guardadas as proporções artísticas, a química do par funciona.

Funciona por não ser pretensioso. Pelo contrário, parece que Reitman conhece bem seus limites e não arrisca fora da zona de conforto. Feito na medida para agradar as mulheres, não vai entrar para o panteão das comédias românticas excelentes, mas diverte.

O Besouro Verde (The Green Hornet)

2011-03-12T10:47:00.000-03:00

Todo mundo que gosta muito de cinema, do Bruce Lee, ou de ambos, sabe que o começo da carreira cinematográfica do mais famoso lutador de artes marciais da 7ª arte começou em uma série dos anos 60 chamada Besouro Verde. A série começou no rádio dos anos 1930 nos Estados Unidos, virou série pela Universal nos anos 1940, ganhou um filme em 1941, e renasceu, finalmente, como a versão coestrelada por Lee. Diz a lenda que Lee não respeitava a coreofrafia indicada para suas cenas pois as considerava falsas, e fazia na hora os movimentos que acabaram indo ao ar - e também dando a Kato mais destaque que o personagem principal.

Depois de virar cult e aparecer em quadrinhos e referências inúmeras em diversos filmes - sendo a mais famosa na primeira parte do Kill Bill de Tarantino - um novo filme do Besouro Verde esteve em vias de ser produzido desde o início do século XXI, quando a Miramax adquiriu os direitos. Inicialmente Kevin Smith seria responsável pelo roteiro e direção - o que de cara agradou muitos fãs e desagradou outros tantos. Muitas reviravoltas depois, coube ao comediante Seth Rogen escrever o roteiro, e a Michel Gondry - novamente para alegria e tristeza do público cativo.

A dupla Rogen-Gondry, com o apoio de Evan Goldberg - que trabalhou em todos os roteiros que Rogen já escreveu - fez um bom trabalho. O quanto a história respeita as origens dos personagens nos detalhes não é importante - há que se atualizar a trama, afinal. É tudo muito divertido.

O próprio Rogen faz o papel título, bem mais magro do o usual, mas engraçado como sempre, conferindo um tom tragicômico ao herói que agora é totalmente destituído de habilidades. Seu ajudante Kato é interpretado por um desconhecido - por aqui - Jay Chou, um cantor bastante famoso na Ásia em seu primeiro papel ocidental. Ele faz uma bela homenagem a Bruce Lee, inclusive ganhando a tela em todo momento - é certo que, neste caso, o roteiro também trabalha para isto. O elenco é muito bem completo por Tom Wilkinson e pelo excelente Christoph Waltz, a última descoberta de Tarantino.

Ainda que você conheça o personagem, é muito difícil que tenha visto mais do que alguns pequenos trechos em documentários da versão do Bruce Lee, portanto desfaça a cara feia e assista esta nova versão. Para quem não conhece, é um divertido contraponto ao universo de heróis que só cresce nas telonas.

O Mágico (L'Illusionniste)

2011-03-06T10:43:00.001-03:00

Jacques Tati foi um dos grandes cineastas franceses do começo do século passado. Escreveu, dirigiu e atuou em várias ótimas comédias, marcando presença como o impagável personagem Sr. Hulot. Quando morreu, em 1982, deixou uma pequena obra-prima roteirizada, que por muito tempo ficou esperando alguém corajoso - e talentoso - o suficiente para realizá-la. Coube a Sylvain Chomet transformar a história em uma bela e sensível animação.

Chomet fez O Mágico no mesmo estilo do seu excelente As Bicicletas de Belleville. Animação clássica, com pouquíssimas e bem feitas interferências de CG apenas nas partes em que seria mais penoso animar à mão, e praticamente um filme mudo. Ainda assim, cheio de diálogos subentendidos.

O personagem principal, o velho e um tanto decadente ilusionista de salão, foi feito à imagem e semelhança de Jacques Tati, e há outras diversas referências ao cineasta pelo filme. Como sempre no cinema europeu, o ritmo não é aquele a que nós, criados sob altas doses das produções norte-americanas, estamos acostumados. Mas não dá para imaginar a história feita de outra maneira. Além de muito bonita, a animação nos toca com muita facilidade. Imperdível.

Rango (Rango)

2011-03-05T20:37:00.003-03:00

Um dos maiores estúdios de efeitos especiais, o Industrial Light & Magic, de George Lucas, uniu-se a um dos maiores canais infantis para, juntos, entrarem no mercado das animações longa-metragem por computador - que ainda é quase monopolizado por Pixar, Dreamworks e BlueSky. Começaram por Rango, uma paródia dos faroestes spaghetti dos anos 1960 estrelada por animais capitaneada por Gore Verbinski, diretor da série Piratas do Caribe, com roteiro de John Logan, que tem no currículo grandes produções como Gladiador, O Aviador e O Último Samurai.

Um belo time, portanto, absolutamente necessário para tentar qualquer briga que seja com os três grandes. E percebe-se que o esforço foi grande. Do lado da modelagem e animação, tudo ficou ótimo. Detalhes, iluminação, física, está tudo ali enganando nossos olhos direitinho. O roteiro, como fazem a Pixar e a Dreamworks, trabalha ao mesmo tempo a diversão para os pequenos e as sutilezas para os adultos - mas a balança pende ligeiramente para o lado destes.

Infelizmente, a maioria das cópias nos cinemas brasileiros será dublada, mas espera-se - e há alguma confirmação por parte das críticas nos sites de lá - que os trabalho de Johnny Depp, Isla Fisher, Abigail Breslin, Alfred Molina e Bill Nighy tenham sido muito bem feitos. O roteiro poderia ter sido um pouco melhor trabalhado - e é justamente esse o maior trunfo dos concorrentes. Faltou um pouco de continuidade e aprofundamento, a impressão é de que quer-se resolver tudo em apenas um punhado de cenas. Ainda não é páreo para os grandes, mas foi um bom começo.

Bruna Surfistinha

2011-03-02T19:48:00.001-03:00

Fruto da então primeira onda de blogs muito famosos - além, claro, da sua própria semi-trágica história particular - Bruna Surfistinha foi também uma das primeiras web-celebridades brasileiras. Soube aproveitar muito bem o momento em que seu blog deixaria de ser interessante para “escrever” um livro. Muitas cópias vendidas e muito assunto discutido, era apenas questão de tempo até alguém resolver transformar em filme.

Coube ao publicitário Marcus Baldini estrear no cinema com a transcrição. Ele evita qualquer ousadia: não há nada excepcional na fita, inclusive as previsíveis cenas de nudez e sexo. A história é linear, com algumas interferências de narração que não chegam a compor um estilo, e o ritmo parece tirado de um manual de roteiro.

Nem no elenco houve ousadia. Inicialmente a modelo-e-atriz Karen Junqueira estaria no papel principal. Talvez por medo que a moça não desse conta do papel, passou à experiente Deborah Secco, que exagera tanto para o lado da antes tímida adolescente Raquel quanto para a transformada Bruna. Tanto que leva um banho de interpretação por todos os lados: Fabíula Nascimento, nas poucas cenas em que aparece, Drica Moraes, Cassio Gabus Mendes, todos superam se dificuldades a performance de Deborah.

Mas é, de qualquer forma, uma história interessante. Talvez, com mais coragem, pudesse se tornar uma peça muito melhor - difícil não pensar em algumas produções européias ou independentes norte-americanas que exploram o mesmo tema. É um filme apenas OK, o suficiente para chamar atenção apenas pela personagem.

Bravura Indômita (True Grit)

2011-03-02T19:45:00.000-03:00

Os Irmãos Coen estão entre os melhores realizadores de cinema em atividade hoje. Olhando para o currículo deles, pode-se dizer que nunca erraram. Claro que nem sempre agradam o grande público, mas sempre fazem excelentes filmes. Bravura Indômita não foge à regra. Ao contrário do que se tem falado, não podemos considerar esta versão um remake. Há uma outra versão, filmada em 1969 com John Wayne no papel principal. Mas os Coen foram à origem da história, o livro de Charles Portis. Por isso, neste, o papel principal não é do marshall-pistoleiro Cogburn, mas da jovem Mattie Ross em busca de vingança.

Ela é interpretada por uma bela descoberta, Hailee Steinfeld, que infelizmente foi injustiçada no Oscar. Mas não por não ter ganho o Oscar, e sim por concorrer como Atriz Coadjuvante. É claro que deveria ter sido Atriz Principal - que ela não ganharia da mesma forma, mas seria ao menos mais correto com a importância do seu papel na fita. Ela não perde em nada, em interpretação, para o experiente Jeff Bridges e o talentoso Matt Damon, ou nenhum dos outros mal-encarados personagens bem retratados.

Mas Hailee não é o único trunfo do filme. Como em todas as produções dos Coen, há um delicado e dedicado trabalho cinematográfico que vai dos aspectos técnicos invisíveis ao público, à maestria em explorar os cenários naturais e recriados para nos transportar para o batido velho oeste norte-americano. E há, como sempre, o humor, presente mesmo na mais soturna das histórias filmadas por eles. Bravura Indômita é bem feito em vários níveis, capaz de agradar tanto o cinéfilo exigente quanto o frequentador eventual das salas de cinema.

10 regras para salvar os cinemas

2011-02-26T08:21:00.002-03:00

Originalmente, este blog foi criado para compartilhar minhas críticas de filmes. Mas deparei-me esta semana com uma crítica à indústria das salas de cinema no Brasil, que simplesmente não posso deixar de compartilhar. São coisas simples, mas que todos os cinéfilos concordam plenamente. E, mais importante, são coisas que fariam aqueles que simplesmente gostam de cinema voltar também às salas. Infelizmente, são também coisas que o bom senso, se escutado, seria suficiente para que fossem feitas. Sem mais delongas, o excelente texto do Paulo Villlaça:

10 regras para salvar os cinemas

Que o público de cinema tem diminuído significativamente, todos já sabem. Alguns culpam a pirataria; outros, o preço dos ingressos. O fato, porém, é que ir ao cinema tem se transformado em uma experiência que, longe de trazer o prazer antes garantido pelo ato de assistir a um filme na tela grande, vem se transformando num exercício de paciência: o público vem se tornando cada vez mais grosseiro, as projeções deixam a desejar e os longas são distribuídos com atrasos absurdos.

Na maior parte do tempo, como crítico de cinema, tenho o privilégio de assistir aos lançamentos semanais não só com certa antecedência, mas na companhia de espectadores que sabem se comportar: meus colegas de profissão. Há, claro, o inconveniente de as cabines (as sessões para a crítica) acontecerem pela manhã - um horário que meu organismo aprendeu a rejeitar ao longo das décadas -, mas isto é um obstáculo insignificante diante da perspectiva de passar raiva nas sessões abertas ao público.

Recentemente, tendo sido obrigado a encarar uma sessão dupla de Biutiful e Besouro Verde no BH Shopping, em Belo Horizonte, lembrei-me da frustração representada por uma experiência medíocre nas salas de cinema, o que me levou a propor as dez regras seguintes que, voltadas para os exibidores e distribuidores, têm o objetivo de apontar o caminho da reconciliação entre o público e a tela grande, levando a um novo crescimento na venda de ingressos. Não custa sonhar.

As três primeiras regras são voltadas para os distribuidores; as seguintes, para os exibidores. Espalhem a mensagem.

1) Ter bom senso ao definir as datas de lançamentos - À Prova de Morte foi lançado no Brasil depois de Bastardos Inglórios, que Tarantino dirigiu dois anos depois daquele segmento de Grindhouse. Woody Allen, durante um bom tempo, só chegava por aqui com um ou dois anos de atraso. Scott Pilgrim foi adiado diversas vezes até ser lançado de maneira porca em algumas poucas praças. Nós sabemos que não há mercado no Brasil para todas as produções lançadas ao redor do mundo anualmente e que planejar o que vai para o cinema ou o que será distribuiído diretamente em home video exige um estudo cuidadoso - ainda assim, o jogo de datas que ocorre toda semana, com várias alterações e cancelamentos, é algo que não permite nem mesmo que o espectador brasileiro crie expectativa com relação aos projetos que deseja ver. Nos Estados Unidos, os cinéfilos já sabem com antecedência que às vezes chegam a dois ou três anos a data exata em que o filme que querem ver irá estrear; aqui, marcar um lançamento no calendário seria passar atestado de burrice, já que as distribuidoras parecem anunciá-los aleatoriamente, não se importando em mudá-los muitas vezes na semana anterior à suposta estréia. Com isso, não há estímulo maior para a pirataria e para o download domiciliar, já que a incerteza de poder assistir ao filme é, sem dúvida, um grande motivador para que vários fãs garantam por conta própria a exibição da obra.

2) Jamais lançar um filme estrangeiro apenas em cópias dubladas - Durante um longo tempo, o padrão de lançamento era o seguinte: filmes infantis chegavam em cópias dubladas e legendadas; os adultos, apenas com som original e legendas. Era um sistema perfeito que garantia a alegria de todos os segmentos. Nos últimos tempos, porém, tem se tornado cada vez mais freqüente que obras voltadas ao público adulto também ganhem cópias dubladas e as animações não ofereçam opção de legendas para os interessados. E isto é de uma estupidez surpreendente. O que as distribuidoras não parecem perceber é que, com isso, estão afastando os cinéfilos que sempre tiveram o hábito de ir aos cinemas - e se em contrapartida acreditam que os longas dublados atrairão um novo público, estão terrivelmente enganadas, já que espectadores com este perfil sempre valorizaram e continuarão a valorizar mais a experiência de se ver um filme em casa, na tevê. Resultado: afasta-se uma parcela antes fiel à telona sem garantir que um novo segmento ocupe seu lugar.

3) Só incluir os créditos da legendagem quando o filme terminar de fato - Já perdi a conta do número de vezes em que subitamente fui informado de que o filme chegara ao fim ao ler a legenda "Tradução de Fulano de Tal" - um crédito que surgia na tela enquanto a narrativa continuava a transcorrer. A política aparentemente é a de que, terminados os diálogos, o tradutor deve assinar seu trabalho, mesmo que ainda restem vários segundos ou mesmo minutos de projeção. Isto ocorreu, por exemplo, em Vivendo no Limite e, recentemente, em Além da Vida. Ora, se um diretor quer que observemos algo na tela por algum tempo antes de partir para os créditos finais, é porque acredita que isto é importante para o impacto emocional de sua obra - e ao jogar o nome do tradutor na tela antecipadamente e revelar, assim, que o filme basicamente chegou ao final, os responsáveis pela legendagem sabotam este efeito, desrespeitando as intenções do realizador.

4) Jamais interromper a projeção antes que os créditos finais se encerrem - Por motivos que discuto em meu curso e já abordei perifericamente aqui no blog, o tempo dedicado aos letreiros finais é precioso na experiência do espectador no cinema; faz parte de seu retorno gradual à realidade, permitindo que o longa se sedimente em sua mente e em sua percepção emocional ao mesmo tempo em que já abre espaço para a reflexão sobre o que acabou de ser exibido. Cortar os créditos é, assim, uma forma ótima de sabotar o impacto provocado pela narrativa, além de ser um imenso desrespeito à equipe ali reconhecida. Como se não bastasse, tem se tornado cada vez mais comum que cenas sejam incluídas após os créditos finais - e já fui repetidamente agredido como cliente dos multiplexes ao permanecer na sala (algo que sempre faço, mesmo quando sei que não há nada depois dos letreiros) apenas para ver a projeção interrompida quando eu sabia que haveria uma cena extra dentro de alguns minutos. Quando pago um ingresso, pago para ver todos os minutos de projeção - e não é à toa que a duração de um filme informada pelas distribuidoras inclui os créditos finais.

5) É fundamental treinar bem os funcionários do cinema - Já fui tratado com impaciência, agressividade ou descaso por funcionários de diversas salas em todo o Brasil. Recentemente, ao tentar entregar meu ingresso para a sessão de Besouro Verde, no Cineplex BH, fui surpreendido pela atitude do funcionário que, ao ver meu ingresso, empurrou-o de volta à minha mão e disse com um tom bruto: "A sala não abriu ainda. Você não pode entrar, não". E quando perguntei se não havia um local de espera dentro do cineplex, a resposta foi: "Tem, não. Se quiser, tem que esperar lá fora". Da mesma maneira, no Cinemark do Pátio Savassi, fui obrigado a pedir silêncio às duas funcionárias do espaço que insistiam em conversar durante a sessão e que nem ao menos desligaram seus rádios, permitindo que apitassem a cada três ou quatro minutos. E a questão vai além, já que este treinamento tem a ver também com a regra seguinte...

6) Nunca abra as portas da sala antes que o filme chegue ao fim - Assim como o surgimento do nome do tradutor arruína a experiência, é frustrante perceber, enquanto a projeção ainda está ocorrendo, a movimentação dos funcionários na parte dianteira da sala para abrir as portas de saída no exato segundo em que o filme chegar ao fim. Além de ser uma distração nada bem-vinda, esta atitude indica a iminência do desfecho da história momentos antes do planejado pelo realizador. Porém, considerando a freqüência com que os funcionários chegam a abrir a porta antes do final do filme, tenho até me sentido grato quando se limitam apenas a caminhar rumo à saída.

7) Voltar a empregar lanterninhas que monitorem a exibição - O cinema Arclight, em Los Angeles, é considerado o melhor de uma cidade na qual o padrão de projeção é, por natureza, mais exigente do que na maior parte dos lugares. E há um motivo para isso: antes do início da cada sessão, um funcionário da casa se dirige ao público explicando que o rigor técnico é uma preocupação do lugar e que, várias vezes durante a projeção, ele retornará à sala para verificar se está tudo correndo bem - além de avisar que estará logo ali fora caso algo ocorra. Já nos nossos cinemas, espectadores conversam o tempo inteiro, atendem celular, brigam nas salas, a projeção sai de foco, caixas de som deixam de funcionar, a película sai da posição e ninguém faz nada caso uma revolução não ocorra. Ora, quando pago ingresso, quero a experiência completa, perfeita: uma projeção impecável em uma sala silenciosa. Se há outros clientes ali que não respeitam isso, então devem ser removidos do local, já que não têm o direito de estragar aquele momento para todos os demais. Antigamente, o lanterninha se encarregava de manter este respeito mútuo na sala: de tempos em tempos, entrava para verificar o comportamento e não hesitava em exigir educação ou retirar os imbecis que não compreendiam que todos ali pagaram ingresso para assistir ao filme, não para ouvir sua voz irritante. Hoje em dia, são os próprios espectadores incomodados quem devem agir por conta própria - e não é à toa que têm ocorrido um número cada vez maior de brigas nas salas e até mesmo de mortes (como o sujeito que foi esfaqueado há cerca de um ano depois de atender o celular várias vezes e o rapaz que levou um tiro, semana passada, por comer pipocas de forma excessivamente barulhenta em uma sessão de Cisne Negro).

8) Limpar os óculos 3D - Os cinemas cobram, em média, 30% a mais pelos ingressos das salas 3D - um custo justificado por eles como sendo fruto da necessidade de higienizar e manter os óculos especiais usados pelo público. Assim, é inaceitável que recebamos, em troca destes 30%, óculos sujos, com lentes manchadas e que às vezes chegam até a feder - isto quando não estão tortos. Querem cobrar mais? Então prestem algum serviço por isso.

9) Usar a intensidade de luz adequada do projetor - Muitos exibidores têm a noção equivocada de que uma boa maneira de aumentar a vida útil das caras lâmpadas de seus projetores reside na estratégia de mantê-las numa intensidade menor do que a recomendada pelos padrões técnicos internacionais. Isto não só é uma besteira, já que as horas úteis se mantêm inalteradas, como ainda contribui para tornar a experiência pior para o espectador, que é obrigado a assistir a uma projeção escurecida e longe do ideal. Quando esta prática se soma às projeções em 3D, que exigem os óculos que já comprometem a luminosidade, o resultado é desastroso.

10) Limitar o tempo de propagandas antes dos filmes - Sim, é verdade que as salas de exibição não costumam tirar a maior parte dos seus lucros dos ingressos, que, afinal, são revertidos em sua maioria para as distribuidoras. Assim, se as bomboniéres são as responsáveis pelos lucros dos cinemas (sim, eles estão mais interessados na venda de pipoca e refrigente do que nos ingressos em si), os exibidores também têm se mostrado cada vez mais interessados no trocado extra proporcionado pelos vídeos publicitários exibidos no início das sessões. Até aí, tudo bem: é preciso compreender que há uma necessidade comercial em jogo. Porém, quando as propagandas começam a interferir na experiência do cliente/cinéfilo, algo está muito errado - e já estive em sessões que tiveram quase 20 minutos de publicidade antes do início dos trailers. Assim, um acordo razoável seria o de permitir no máximo 5 minutos de comerciais no início da sessão - e com a exigência de que estes vídeos comecem pontualmente no horário marcado no ingresso. Com isso, o espectador que não quiser se submeter à publicidade indesejada poderá usar este tempo para ir ao banheiro ou comprar pipocas - o que, mesmo assim, certamente deixará um número suficiente de clientes na sala para justificar o interesse dos anunciantes (já que, afinal, nem todas as sessões têm comerciais e poucos se arriscariam a um atraso apenas por apostarem nos cinco minutos de publicidade).

Se estas dez regras passassem a ser seguidas por distribuidores e exibidores, estou certo de que o público de cinema voltaria a crescer. Infelizmente, enquanto não forem implementadas, nós, amantes do cinema e defensores da experiência da tela grande, não teremos muitos argumentos que convençam outros a dividirem esta paixão. Afinal, confesso ficar sem resposta quando alguém me pergunta algo como "Por que eu deveria pagar por ingressos caros, estacionamento, pipoca e refrigerante para ter uma experiência medíocre e irritante se posso ficar em casa e assistir ao filme na minha tevê de tela grande em alta resolução (baixado pela Internet ou comprado) sem passar raiva e gastando muito menos?".

Em vez de rebater, sou obrigado a concordar e a dizer apenas: "É verdade. Distribuidores e exibidores, por que deveríamos?"

O Discurso do Rei (The King's Speech)

2011-02-20T20:55:00.002-03:00

Não é fácil descrever a realeza em tons humanos, seja ela de qual país for. Especialmente, não é fácil retratá-la fora da sua pompa sem cair em um tipo de crítica não velada ao estilo de vida dos reis e rainhas. Este talvez seja o maior trunfo de O Discurso do Rei, a delicadeza com que David Seidler mostra as circunstâncias em que George VI foi levado ao trono, após uma transtornada sucessão. Inseguro e gago - talvez o primeiro em decorrência do segundo - ele nem mesmo queria ser rei.

Seidler é um roteirista experiente, com seus quase 20 títulos no currículo, mas sem nenhum grande. Filmes para TV, episódios de seriados e desenhos animados estão entre suas produções. Parece que ele estava esperando algo para mostrar ao mundo sua obra maior. E estava. Gago ele próprio quando criança, e tendo ouvido o discurso original que dá nome ao filme, ele sempre quis filmar a história, tanto que consultou a esposa de George, a Rainha-Mãe Elizabeth, que pediu-lhe para que não o fizesse enquanto estivesse viva. Ele cumpriu, e só agora podemos aplaudi-lo.

Ele achou em Tom Hooper - também com vários títulos de TV no currículo - a batuta certa para seu belo roteiro. E ambos souberam convidar o elenco certo, a começar por Geoffrey Rush. Sim, Colin Firth parece ser o ponto principal da história, e está de fato excelente, mas é Rush que costura a trama, que dá a liga que faltaria sem ele. Helena Bonham-Carter, numa atuação bastante competente, completa muito bem a equação.

A história dessa relação humana no meio real, uma relação que foi quase forçada pelos métodos não ortodoxos do terapeuta interpretado por Rush, é de uma beleza única. É o tipo de filme que toca com facilidade a maioria das pessoas - o que explica os vários prêmios e indicações que coleciona. Um belo exemplo de cinema que merece certamente sua presença nas salas.

De Pernas Pro Ar

2011-02-19T15:00:00.000-02:00

Já escrevi várias vezes sobre o renascimento do cinema brasileiro, muito graças à Globo Filmes, e de como mesmo filmes bobos e vazios ajudam, no fim das contas, a sedimentar o cinema como negócio no Brasil - o que, com sorte, pode culminar e mais produções e mais espaço para os cineastas. De Pernas Pro Ar é um título típico desse movimento. O filme começa bem ruim, reciclando mal clichês já utilizados em filmes que vão de Em Busca do Prazer - The Oh in Ohio, no original, um bom filme - a, pasmem, Transformers - “Não é a mulher que escolhe o vibrador, é o vibrador que escolhe a mulher”. Quase dá vontade de sair da sala, não fosse algumas risadas promissoras nesse primeiro ato.

Depois melhora, mas não muito. O tempo todo a comédia de Roberto Santucci, sobre o texto de Paulo Cursino e Marcelo Saback, patina em ser mais que uma colcha de retalhos de assuntos, cenas e diálogos já utilizados, sem dar nenhuma nova roupagem. Em Busca do Prazer aparece novamente na cena de um orgasmo público causado por um aparelho, digamos, bem posicionado - a cena, inclusive, aparece ainda em outro filme, A Verdade Nua e Crua.

Ingrid Guimarães, a estrela, só em alguns momentos consegue realmente dar vazão à personagem. É de estranhar que uma “não atriz” como Maria Paula dê um banho de performance nela, ainda que não seja uma atuação ótima. A diversão maior na atuação fica na participação excelente de Denise Weinberg como a mãe, e Antônio Pedro como seu namorado.

No fim das contas, há aquelas poucas cenas engraçadas e bem cronometradas que explodem as risadas no cinema, e pouco mais que isso. Podemos, então, colocar esta produção na conta dos erros não tão graves necessários para fortalecer o cinema brasileiro.

No blog dos outros

2011-02-08T07:15:00.003-02:00

E bem quando eu imaginava que ninguém lia o meu blog, eis que os velhos amigos da FCS me convidam para contribuir com o blog deles. Com esta, é a segunda vez que "apareço" no blog dos outros - a primeira foi uma simpática citação no Na Casa do Mamãe. Desta vez, me pediram um texto exclusivo, uma crítica a um filme com publicitário, e a um filme publicitário - pena que não pediram uma crítica de filme publicitário com publicitário, eu poderia realizar o sonho de escrever sobre aquele comercial da Honda...

Aos que tem coragem, é só clicar no link ou na imagem para ler, direto do blog da FCS Bem Pensado, minha singela participação.

Cisne Negro (Black Swan)

2011-02-07T08:11:00.003-02:00

Darren Aronofsky gosta de filmes fortes, no limite do perturbador. Sua última produção, o excelente O Lutador, mergulha profundamente em um falido e caído personagem. Agora, ele faz o contrário, pegando uma bailarina que ganha o papel da sua vida. Mas o faz com o mesmo olhar visceral e destituído de benesses. Nos subúrbios de um condomínio de trailers ou no aparente glamour de uma grande companhia de balé de Nova York, o que realmente interessa é o personagem retratado.

Natalie Portman dá vida à Nina, a jovem que ganha seu grande papel na montagem do clássico O Lago dos Cisnes. Sua carreira sempre mostrou que é uma atriz bastante capaz, mas finalmente conseguimos ter noção da dimensão do seu talento. Ela consegue dar veracidade à tímida e contida Nina com a mesma destreza com que a faz soltar em momentos chave seu lado negro. Li algumas opiniões dizendo que Mila Kunis está, aqui, melhor que Portman. Bobagem. No papel da bem resolvida Lily, Kunis está bem, sim, mas não precisou expor mais que sua beleza. Vincent Cassel, como o diretor da companhia, mostra porque a escola europeia de atores sempre gerará ótimos frutos.

Cisne Negro, como outros de Aronofsky, não é fácil de ser assistido. Sem sustos e com efeitos especials que são realmente apenas suporte de cena, ele nos transporta com tensão quase ininterrupta do início ao fim da fita. Auxiliado por uma trilha sonora impressionante, que a exemplo do A Origem de Christopher Nolan distorce e altera a música de Tchaikovsky ao ponto de deixá-la irreconhecível.

Dos quatro indicados ao Oscar de Melhor Filme que assisti, este é o único que faz jus a uma disputa séria com A Origem - apesar de saber que nenhum dos dois está realmente no páreo, que ficará com A Rede Social ou O Discurso do Rei. Cisne Negro é bom cinema naquilo que ele tem de melhor, colocado na dose certa na tela, contando a história só até onde ela deve ser contada. Imperdível.

Você Vai Conhecer o Homem dos seus Sonhos (You Will Meet a Tall Dark Stranger)

2011-01-12T10:16:00.000-02:00

A volta a Nova York durou pouco, só um filme. Woody Allen foi novamente à Inglaterra para filmar Você Vai Conhecer o Homem dos Seus Sonhos - tradução incorreta de You Will Meet a Tall Dark Stranger, que tem contexto com a trama. Mas ele manteve sua volta ao velho estilo. A trama com vários personagens interligados é recorrente nas suas produções, assim como a comédia que flerta com o drama - uma espécie de inversão de Crimes e Pecados.

Ainda assim, como nas primeiras produções no velho continente, a fotografia lembra o estilo que Allen sempre usou nos EUA, e o ritmo também. Mas a história nem de longe se compara com os melhores filmes dele - e nem com o seu último, que foi ótimo.

O elenco trabalha bem, com destaques para a ótima Gemma Jones e uma atuação bastante madura de Naomi Watts. A bela Freida Pinto - que atuou em Quem Quer Ser um Milionário? - parece não ter captado muito bem as maneiras do diretor, e fica um pouco deslocada em algumas cenas, com diálogos levemente forçados. A dupla Antony Hopkins e Lucy Punch faz um bom contraponto cômico na sua trama paralela.

Não há, de fato, grandes defeitos técnicos, nem de roteiro, mas também não há a grande força deste, que costuma ser o trunfo de Allen. O resultado é divertido, mas bem abaixo das expectativas quando se pensa em Woody Allen.

Enrolados (Tangled)

2011-01-09T17:02:00.003-02:00

Enrolados não é a primeira incursão da Disney na animação por computador sem a Pixar. Também não é, claro, o primeiro filme de princesa inspirado num conto de fadas. Mas é o primeiro a ser as duas coisas. E o que poderia ser apenas um detalhe é na verdade determinante aqui. O belíssimo visual de Enrolados, todo feito em CG, lembra bastante o esmero artístico do estúdio com seus clássicos desenhados à mão. E houve um bocado de esforço para isso acontecer, incluindo a criação de softwares e técnicas de renderização específicas criando um efeito de pintura, que valeram à pena como pode ser conferido na telona.

O resultado visual é em grande parte obra do supervisor de animação Glen Kean, que foi um dos produtores. Ele chegou a convocar um seminário com mais de 50 animadores da Disney - tanto os especialistas em CG quando em animação tradicional - para que, juntos, atingissem seu objetivo. Mas deve-se também ao outro produtor, o ex-diretor da Pixar John Lasseter. A união dessas duas mentes criativas resultou na melhor produção Disney em CG sem a Pixar, tecnicamente impressionante. Basta dizer que o maior medo dos animadores de CG a até pouco tempo atrás, cabelos, é aqui quase um personagem por si só.

A história é baseada no conto de fadas da Rapunzel. Baseado porque foram mudados pontos chave da história - originalmente, a Rapunzel não é uma princesa, mas sim encontrada por um príncipe, e seu cabelo não é mágico. As mudanças, entretanto, ajudaram a dar mais dinâmica à história, e também a tornar o filme atraente para meninos também - o principal personagem masculino é um ladrão - de bom coração, claro - boa pinta e valente. Infelizmente, escolheram Luciano Huck para dublá-lo, e a diferença para a atuação das outras vozes na versão brasileira é gritante.

Há também os outros elementos Disney presentes e bem colocados, como o impagável camaleão Pascal. Não espere, entretanto, profundidade nem surpresas muito grandes. É o típico filme Disney, divertido e sensível, que vai encantar crianças - e vários adultos também.

Tron: O Legado (Tron Legacy)

2010-12-22T19:40:00.000-02:00

Para muitos adultos hoje na faixa dos 30, Tron, o original de 1982, é uma agradável lembrança da primeira experiência com efeitos digitais no cinema. O que hoje parece arcaico era na época extremamente inovador - não apenas o visual do filme, mas o próprio conceito de se usar computadores para criá-lo. Por isso, virou cult para muitos, um marco indissolúvel que já teve diversas histórias de continuações. Quando Tron Legacy foi finalmente confirmado e teve sua data de lançamento anunciada, muitos correram às locadoras para assistir o original novamente antes de ir ao cinema. Infelizmente, revelou-se que não é tão simples assim encontrar o Tron original - e nem a TV aberta o transmite com a frequência com que fazia nos anos 80. Felizmente, para a história do novo Tron em si, não há grandes perdas. Cita-se nomes do filme original - ou sobrenomes que revelam ligações familiares - mas o resto é uma história completamente nova.

O filme original tinha uma ligação com o medo ainda grande da humanidade na época de que a inteligência artificial dominaria o mundo. A IA ainda hoje não foi bem resolvida e a raça humana está em paz com seus eletrônicos, então o roteiro usou só um pouco daquele medo, e focou mais na busca de um filho por seu pai. Infelizmente, não resistiram à tentação de apelar para a temática religiosa, e muitas vezes ouvimos palavras como “criador” e “enviado” usadas para tornar Kevin Flynn e seu filho figuras endeusadas na história. Junte isso aos poderes especiais que o pai já tinha no filme original - por ser um usuário e não um programa - e temos a perfeita transcrição de um deus virtual.

O filme é a estreia na direção de Joseph Kosinski. Ele sai-se bem dando à trama coerência e ritmo, e comandando os jovens Garrett Hedlund - que foi o primo mais novo de Aquiles em Tróia - e Olivia Wilde - a Thirteen da série House. Ela está um pouco melhor que ele, mas nenhum dos dois chega perto do veterano Jeff Bridges, bastante confortável no papel que mistura um pouco do Flynn original com famoso Dude Lebowski. Sua versão mais jovem, apesar de impressionante, não conseguiu alcançar a qualidade de Benjamin Button, que usou a mesma tecnologia. Vale um destaque para a participação especial de Michael Sheen.

Os produtores foram espertos em não fazer uma continuação propriamente dita, mas os que conheçem e se lembram do Tron original podem ficar um pouco desapontados com a falta de novos paradigmas deste. Resistindo à tentação de fazer essa comparação, é um filme de ação muito bom com um roteiro interessante, e um visual fantástico.

A Rede Social (The Social Network)

2010-12-12T12:10:00.000-02:00

Na era das grandes fortunas criadas rapidamente por ideias geniais, não é de espantar que algumas histórias bastante interessante estejam acontecendo nos bastidores. Quando soube que iriam adaptar a história da criação do Facebook para o cinema, confesso que não tive uma boa reação. Pareceu-me algo a ser criado apenas para “pegar a onda” e, especialmente, ganhar dinheiro. Sim, as duas coisas estão corretas, mas há outras, que começaram a ficar claras com os nomes envolvidos no projeto, e que me ganharam de vez nos primeiros trailers.

David Fincher está nas prateleiras de qualquer cinéfilo colecionador que se preze. Depois de Seven, sua fama só cresceu, especialmente pela qualidade das suas produções. Com Benjamin Button, anterior a este, ele sedimentou de vez sua posição. E aqui faz por merecer com uma transcrição ótima do roteiro de Aaron Sorkin, cheia de movimento e tensão em uma história que poderia facilmente cair na chatice.

O elenco foi muito bem escolhido, com o cool & cult Jesse Eisenberg no papel principal, atuando muito bem como sempre, e vários rostos não tão conhecidos nos papéis secundários. Andrew Garfield saiu-se muito bem no não muito visto Leões e Cordeiros, e está preste a chegar ao estrelato como o próximo SpiderMan, para ficar em apenas um exemplo. Mesmo a atuação de Justin Timberlake, quem diria, é bastante boa.

É preciso dizer que, como qualquer história, há mais de um lado, e o filme, como o livro em que se baseou, apresenta apenas um deles. É bastante provável que o Mark Zuckerberg real não seja tão antisocial, e sabemos que o programador Dustin Moskovitz teve um papel bem maior na criação do Facebook do que o filme leva a crer. E, claro, no cinema temos que fazer alguns exageros para aumentar o efeito dramático. Ainda assim, feitas todas as concessões, é um grande filme, que merece ser visto mesmo por quem nem sabe o que é o Facebook.

Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte 1 (Harry Potter and the Deadly Hollows - Part 1)

2010-11-28T12:10:00.000-02:00

Quando J.K. Rowling começou a escrever a série de livros do hoje famoso bruxo, talvez não antecipasse o tremendo sucesso que faria. Mas a série igualmente famosa de filmes estava fadada a levar multidões aos cinemas - além de, é claro, muito mais dinheiro para o cofre da autora, hoje a mulher mais rica da Inglaterra, tirando a rainha, claro. Por isso, é uma pena que não se tenha pensado na franquia a longo prazo, para que alguns elementos chave pudessem ser mantidos durante todos os filmes. Eles conseguiram preservar o básico, e muito importante: o elenco. Aliás, é um grande trunfo dos produtores da série que aquelas crianças da primeira parte tenham se desenvolvido em bons atores.

Mas uma parte igualmente importante não teve a mesma atenção, a pessoa que comandaria as produções. Os dois primeiros ficaram sob a batuta do terrivelmente médio Chris Columbus, e já deram um início não tão tecnicamente bom à saga do Harry Potter nos cinemas. Foi apenas no quarto filme, com Alfonso Cuarón, que realmente vimos o potencial da história na telona, mas infelizmente ele ficou apenas para aquele filme, deixando um legado difícil de ser igualado, que dirá superado. Tanto que a quinta parte é considerada por este crítico a mais fraca de todas, e foi justamente o diretor desta, David Yates, que se manteve até o final. Felizmente ele melhorou a mão depois.

Neste primeiro pedaço da última parte, tudo é tensão e expectativa. Não há mais Hogwarts, não há mais tempo para estudos e brincadeiras, agora a coisa é séria. Acrescentaram alguns nomes importantes ao elenco, como Bill Nighy, e trouxeram outros de volta, como John Hurt. Mas nenhum é adequadamente aproveitado, como boa parte do elenco, com atuações apenas boas - mesmo por outros grandes nomes do time como Ralph Fiennes e Helena Bonham-Carter. O único ator que mostra algum crescimento, quem diria, é o fiel escudeiro Rupert Grint. Ainda assim, neste momento tão especial para a série, tudo é médio demais.

Do terrível quinto filme para cá, a coisa melhorou. Mas não chega ainda ao ponto ótimo alcançado por Cuarón no Prisioneiro de Azkaban, o único da série que se pode dizer que é um bom produto cinematográfico. Se por acaso o autor ou autora da próxima grande série literária a ser adaptada para o cinema lê este blog, uma dica valiosa: junte um bom time, começe bem, e o mantenha até o final. Além de ganhar muito dinheiro, terá feito a alegria tanto dos fãs dos livros quanto dos cinéfilos.

Tropa de Elite 2

2010-11-07T11:35:00.000-02:00

O primeiro Tropa de Elite chamou a atenção dos brasileiros por ir parar nas bancas de filmes piratas meses antes do lançamento. Quando finalmente chegou aos cinemas, mostrou que mereceria o boca-a-boca mesmo sem esse infeliz episódio. O segundo evitou o contratempo com um esquema fortíssimo de segurança - segundo a própria produção - e buscou ganhar seu terreno pela qualidade antes que pela pirataria. Conseguiu. Se no 1 assistíamos embasbacados um argumento irrefutável - as classes média e alta alimentam a violência e o tráfego de drogas - neste somos novamente levados à triste realidade do nosso país.

Confesso que quando soube da intenção de fazer esta continuação fiquei levemente desapontado. Continuações normalmente são produtos que buscam unicamente aproveitar melhor o lucro - não que, algumas vezes, sejam continuações que realmente valham à pena. Saí do cinema satisfeito, apesar de chocado. A mensagem bastante clara da podridão da nossa política veio aliada à uma demonstração única de amadurecimento do nosso cinema. É uma continuação com intuito comercial, mas que sabe aproveitar de forma excelente a própria existência.

Wagner Moura volta como o agora Coronel Nascimento, 16 anos depois do primeiro filme. Ele mostra também o grande ator que é, ao colocar na tela um oficial do BOPE que sofre as amarguras de conhecer o sistema por dentro e ter pouco com que lutar, e ao mesmo tempo é um pai em busca de um contato com o filho. A narrativa aproveita muito bem todo o elenco, com performances ótimas, e um ritmo excelente que não se perde.

Como o primeiro, não é um filme fácil de assistir. Dói, revolta e constrange. É o bom cinema com mensagem, e é uma história que todos, de certa forma, conhecemos e lamentamos. É uma produção com qualidades em tantos níveis que merece ser vista, não importa o quanto a poltrona incomode.

Juntos Pelo Acaso (Life As We Know It)

2010-10-31T16:55:00.003-02:00

Às vezes uma boa comédia romântica começa pelo título. Usar o nome dos personagens como em Harry & Sally é uma ideia batida, mas funcional. Opções simplistas como Notting Hill são simpáticas, e as altamente descritivas como Quatro Casamentos e Um Funeral fazem a produção interessante já no poster. Títulos cool como Love, Acutally e He’s Just Not That Into You são também boas opções. Mas há que se evitar um título que tenda à pretensão, como este Life As We Know It - literalmente, A Vida Como A Conhecemos. A tradução brasileira Juntos Pelo Acaso não ajuda.

Pois essa discussão é o que pode haver de mais rico sobre este filme. Nada da pretensão do título se reflete na história, que é recheada daqueles clichês que sempre nos fazem rir mas vazia de qualquer outra coisa. Sem grandes atuações e, pior, sem nem mesmo uma cena memorável, não é um bom exemplo de um gênero já bastante fadado a preconceitos. De bom na fita, só mesmo as ótimas expressões do bebê que é o mote da história.

Amor à Distância (Going the Distance)

2010-09-12T12:50:00.000-03:00

Comédias românticas não precisam de muito para agradar. O mote principal é basicamente sempre o mesmo - rapaz conhece garota, se apaixonam, há uma complicação, se separam ou não podem ficar juntos, superam a complicação ou separam-se de vez. Mas, dentro dessa receita, é possível acrescentar os mais variados temperos, sendo mesmo possível criar algumas obras primas. Sim, é difícil, e a maioria fica no médio - o que não é necessariamente ruim.

Amor à Distância revela a complicação logo no título. E pouco mais se acrescenta ao longo do filme. Num caso como esse, é preciso ter um bom punhado de cenas engraçadas no meio. A dupla formada pela diretora Nanette Bursteis e pelo roteirista Geoff LaTulippe sai-se bem nesse quesito. Há diversas partes hilárias, daquelas que só se consegue com um timing muito afinado.

A dupla principal é formada pela pantera Drew Barrymore e pelo Mac Justin Long - vai levar algum tempo até conseguirmos superar sua participação na ótima série de comerciais da Apple. Não acontece uma química especialmente boa entre os dois - um dos temperos que fazem uma obra prima do gênero - mas também não há falta dela. Mas sempre que Charlie Day aparece na tela, rouba a cena. O parceiro cômico foi muito bem utilizado e mutias das risadas acontecem quando ele aparece.

Numa época de poucos super lançamentos, e se você, como eu, não está em um lugar onde A Ressaca - que parece ser muito bom - estreou, é uma opção. Se Amor à Distância não chega a ser um excelente prato principal, ao menos não decepciona como sobremesa. E, como afirmei no primeiro parágrafo, ficar na média das comédias românticas é um bom resultado.

Nosso Lar

2010-09-09T19:10:00.000-03:00

Anunciado como a maior produção cinematográfica brasileira até hoje, com números que são de fato espantosos no nosso mercado - e conquistando outros nas bilheterias - Nosso Lar pega carona na recente onda espírita no cinema brasileiro. Infelizmente, nem os números investidos, nem os obtidos, são sinais de qualidade - há vários exemplos disso, dos quais Avatar é certamente o mais retumbante. O filme é quase uma continuação da cinebiografia de Chico Xavier - foi baseado no seu livro psicografado mais famoso - mas consegue, mesmo com uma produção muito mais elaborada, ser ainda mais fraco que aquele.

A ousadia dos cineastas brasileiros em criar o visual do mundo espiritual descrito pelo espírito André Luiz a Chico Xavier está de parabéns. A forma como o fizeram, nem tanto. Chamar colaboradores de fora - como a empresa responsável pelos efeitos visuais Intelligent Creatures, o compositor Philip Glass e o fotógrafo Uri Steiger - não ajudaram a tornar o Nosso Lar factível como provavelmente a descrição do espírito tentou colocar. A cidade se parece com uma mistura de Brasília com a ideal Epcot City de Walt Disney. Só que feita de maquetes gigantes habitada por personagens em um chromakey ruim.

O uso do elenco é um pecado mortal por si só. Não me lembro de outra ocasião em que se conseguiu juntar tantos bons atores num mesmo filme brasileiro. E certamente não se encontrará outro em que foram tão mal utilizados. As atuações são muito boas quando não há diálogo. As falas, todas, sem exceção, são falsas e forçadas, e percebe-se que os atores têm dificuldade em fazê-las críveis. A falta de emoção dá a impressão de ser um grupo de amadores atuando - e está muito longe disso. Eles sofrem, mas o público sofre mais por ter que passar por tudo isso em meio a um filme arrastado, que carece de ritmo e erra em elementos básicos.

Wagner de Assis tem no currículo de direção apenas o médio e não muito conhecido A Cartomante, além das manchas graves de ter escrito quatro filmes da Xuxa. Ele praticamente não comanda o filme, que caminha nos próprios passos tortos. Este certamente será seu maior sucesso - já está perto de se tornar o maior sucesso do cinema brasileiro. Como toda história com temática muito fortemente ligada a religião, é um filme para espíritas, simpatizantes e para aqueles cujas convicções são facilmente conquistáveis. Esses acharão o filme sensacional, reconhecerão as descrições do livro e vibrarão a cada nova imagem mostrada. O público mais crítico provavelmente evitará apontar os diversos defeitos em troca de não iniciar uma discussão que não se conterá nos aspectos cinematográficos. E assim acabaremos idolatrando a mediocridade de uma produção que tinha potencial, mas não o alcançou.

Parada Crítica no PodCast do Na Casa do Mamãe

2010-09-04T07:48:00.008-03:00

E eis que após mais de três anos de blog, duas coisas incríveis aconteceram - infelizmente nenhuma delas relacionada a cinema.

A segunda foi a citação do Parada Crítica no PodCast do Na Casa do Mamãe, capitaneado pelos amigos cuiabanos Leandro Magalhães e Luciano Marino. Você pode conferir aqui, lá por volta dos 6m30s:

PodCast do Mamâe 002 by Leandro Magalhães

E a primeira, citada pelo Luciano no próprio PodCast, é a mudança do layout do Parada Crítica.

Bem, obrigado Leandro e Luciano pela citação! E aproveito para fazer o mea culpa do layout: quando comecei o Parada Crítica, convidei meus amigos e colegas designers - que não são poucos - a se disporem a criar um template para o blog. Como podem imaginar, a resposta foi zero. Portanto, apesar de diferente, ainda uso um template pronto do Blogspot, e ainda aguardo por uma alma caridosa que monte um personalizado por mim, que nada entendo de programação.

A propósito ainda do PodCast, respondendo ao Leandro, vocês não verão uma crítica de Os Mercenários aqui. Este crítico se reserva o direito de não entrar em furadas que já são sabidas de antemão.

A Origem (Inception)

2010-08-08T07:49:00.000-03:00

A história do cinema está repleta de grandes feitos e de retumbantes fracassos. Às vezes, um diretor tem um início de carreira estupendo, mas depois custa a voltar a acertar. Mas é ainda mais raro um crescimento tão avassalador quanto o de Christopher Nolan. Seu primeiro longa, Memento - que recebeu aqui a péssima tradução de Amnésia - é excelente. Brinca com a noção de tempo como poucos se arriscaram a fazer, e menos ainda acertaram. Mas poucos viram. Seu filme seguinte, Insônia, tem as suas qualidades, mas não chega a espantar. Então ele torna-se o responsável por reiniciar o herói Batman no cinema, e o faz com maestria em Batman Begins. Pouco depois lança O Grande Truque, em que mostra que domina a técnica cinematográfica como poucos. Volta a espantar o mundo com O Cavaleiro das Trevas, sua segunda aventura com o Batman que, apesar de ser um filme de super-herói, entra facilmente nas listas dos melhores filmes de todos os tempos. É um triunfo em tanto, daqueles que os espectadores e críticos pensam não ser possível superar, e que marcaria a carreira de Nolan. Pois estávamos todos errados. Já não me arrisco a dizer que ele atingiu seu ápice, mas estou seguro em afirmar que, em meros 6 longas, ele marca seu nome no panteão dos grandes cineastas com A Origem.

É perigoso tentar uma descrição em poucas palavras de A Origem. Mas é irresistível não dizer que é mais que um filme, é um acontecimento cinematográfico. Para o público geral, é uma produção excelente, daquelas que te deixa quase sem respirar o tempo todo, e que fazem suas quase duas horas e meia passar como se parecessem minutos. Para curiosos, estudantes de cinema e críticos, é uma realização incomparável. Dos menores detalhes de roteiro às minúcias dos vários níveis de produção, é impecável. É tão divertido quanto profundo, e tão bem amarrado quanto passível das mais variadas interpretações ao final. Em um filme em que literalmente tudo se mexe, é incrível que nada esteja fora do lugar.

O elenco poderia chamar atenção por si só. Grandes nomes como Leonardo DiCaprio, Michael Cane - parceiro recorrente de Nolan, Marion Cottilard e Ken Watanabe se juntam a novas promessas como Joseph Gordon-Lewitt, Ellen Page, Cillian Murphy e Tom Hardy. Tudo funciona muito bem, com interpretações excelentes, mas é também o único ponto que talvez ainda falte a Nolan dominar: retirar dos atores as performances inigualáveis. Talvez, porque, no tipo de filme que vem fazendo, há muitas outras qualidades que suprem essa ainda não totalmente completa técnica.

Ao contrário de muitos grandes filmes, que geram um efeito 8 ou 80 - ama-se ou odeia-se - , A Origem é capaz de arrancar elogios mesmo dos mais difíceis espectadores. Há que se ter muita coragem, sem falar em argumentos extremamente bem trabalhados, para ousar dizer que não é um bom filme. E, embora seja exagero falar em faculdades de psicologia no mundo todo dedicando uma cadeira à interpretação de A Origem, é certo falar que muito será discutido e escrito sobre como ele representa um marco na forma de fazer cinema, e que Nolan já pode ser considerado o cineasta da década. Imperdível, para assistir várias vezes sem cansar.

O Bem Amado

2010-07-24T11:11:00.000-03:00

O Bem Amado é uma das obras audiovisuais mais famosas do Brasil. Primeira novela em cores, exibida em um momendo político delicado mas fazendo suas críticas, e pouco depois transformada em série de TV - também uma das primeiras - é daquelas histórias que mesmo os que nunca assistiram conheçem um pouco. Há pouco tempo estreou nos palcos, e agora finalmente chega aos cinemas - com parte do elenco da peça.

O comando ficou com Guel Arraes, uma escolha praticamente perfeita. Depois de dirigir a adaptação para TV de O Auto da Compadecida, do filme original Lisbela e o Prisioneiro e o excelente Romance, sua forma de filmar casa muito bem com o ritmo esperado. E ritmo, aliás, é o que marca o filme. A agilidade cômica já conhecida de Arraes é aqui quase um personagem próprio.

O elenco desfila grandes nomes, começando por Marco Nanini no papel principal, repetindo o sucesso que deu ao personagem no teatro. Ele presta sua homenagem a Palo Gracindo - que interpretou Odorico na novela original e na série - fazendo bem diferente. O desfile de neologismos típico do personagem parece ter ficado ainda melhor nas mãos dele. Matheus Nachtergaele faz um Dirceu Borboleta um pouco mais contido que o da TV, assim como José Wilker faz um Zeca Diabo mais soturno. As Irmãs Cajazeras estão ótimas nas peles de Zezé Polessa, Drica Moraes e Andréa Beltrão. Melhor resumir dizendo que todos estão bem.

A crítica política é tão válida hoje quanto na década de 70, quando a novela estreou, e é incrível perceber no caricato Odorico os políticos que vemos todos os dias nos noticiários - e em breve bem mais no horário político. Mas, afastando-se do cinema de combate, O Bem Amado é acima de tudo um filme muito divertido, gostoso de ver, e que merece seu ingresso.

Shrek Para Sempre (Shrek Forever After)

2010-07-23T08:45:00.000-03:00

Quando o primeiro Shrek foi lançado, foi um golpe e tanto na batalha que acontecia então entre a Dreamworks Animation e a Pixar - e de lambuja criticava um pouco de tudo na Disney também. Tinha a graça e o sarcasmo, as referências, o ritmo. O segundo conseguiu manter um pouco disso, mas o terceiro foi uma queda abismal, e muitos acharam que o querido Ogro não mais seria visto. Mas a Dreamworks resolveu dar um final mais apropriado para sua cração mais famosa, e se esforçou na quarta e última parte da história.

Sensivelmente melhor que o terceiro - o que não é difícil - e também um pouco acima do segundo, esta parte consegue trazer de volta um pouco das qualidades que nos fizeram adorar o primeiro. Tem um roteiro bastante trabalhado, e uma modelagem sensacional. E é o segundo Shrek a ser feito em 3D, o primeiro nas telonas.

Mas tivemos recentemente outro capítulo final de uma famosa franquia de animação por computador. E, por mais que o pessoal da Dreamworks tenha se esforçado, não chegam a fazer cócegas na qualidade que Toy Story 3 apresentou. Exceto por um ponto: a Dreamworks soube usar o 3D melhor que a Pixar até agora. Ainda assim, para quem guarda boas lembranças do filme original, vale a pena desdedir-se do ogro verde em grande estilo.

Tudo Pode Dar Certo (Whatever Works)

2010-07-17T21:58:00.003-03:00

Depois de quatro produções fora de Nova York - na verdade, fora dos Estados Unidos - Woody Allen volta à sua amada cidade em Tudo Pode Dar Certo. E é mais que uma volta à Grande Maçã, é também um retorno de Allen ao estilo de filme que o tornou conhecido, a comédia sarcástica. Para quem gosta e conhece a carreira do diretor, é como voltar ao passado na melhor forma.

A temporada fora deu a Allen uma visão levemente diferente do que fazer com uma câmera. Usando os mesmos ângulos básicos que sempre gostou, e evitando clichês paisagísticos como cenário, ele novamente mostra o retrato de um pedaço muito específico da cidade - aquele que reflete o personagem principal e as mudanças pelas quais ele passa durante a história. Que, aliás, é recheada dos diálogos excelentes que Allen sempre consegue encaixar.

Ele trocou também sua musa dos últimos filmes por Evan Rachel Wood. Perdeu um pouco em exuberância, mas não perdeu nada em beleza e, especialmente, ganhou um pouco em qualidade da atuação, que foi aqui essencial. A interiorana quase inocente é um papel falsamente fácil, especialmente quando confrontado o tempo todo com o gênio ranzinza interpretado por Larry David - um rosto pouco conhecido aqui, mas que cai como uma luva na história. O embate entre os atores é excelente, e melhorado e apimentado com os personagens que complementam a trama.

Ácido em cada crítica não velada, com longos diálogos complexos e a ironia bem aparada pelos anos de experiência, esta volta de Woody Allen às suas origens nos presenteia com um filme muito divertido - ao menos para aqueles com disposição a compartilhar de algumas das opiniões do diretor. Infelizmente, como nas suas origens, é um Allen bem mais restrito, e por isso mesmo com bem menos chances de chegar às salas comerciais. Se tiver a chance, não perca.

Encontro Explosivo (Knight and Day)

2010-07-16T21:54:00.000-03:00

Verão no hemisfério norte é significado de grandes estreias de cinema e blockbusters enlatados. Tom Cruise e Cameron Diaz em um filme de ação/romance é praticamente a descrição de um blockbuster enlatado. Feito para pescar espectadores ansiosos por mais do mesmo, Encontro Explosivo é o que podemos chamar de filme de passagem. Para os atores, é a passagem entre uma produção melhor e outra, uma forma de manterem-se no foco dos holofotes. Para o público, uma forma de passar duas horas numa poltrona sem nada na cabeça.

E, ao que parece, também é um filme passageiro para o diretor. James Mangold tem em seu currículo o denso Garota Interrompida, o intenso Identidade e a ótima cinebiografia Johnny & June. Aqui, ele pega os vários clichês e tempera só de leve com um pouco de humor.

Cruise e Diaz não se esforçam nos seus papéis. Ele chega a incomodar um pouco com o espião eternamente calmo e controlado, e ela usa e abuza da beleza e dos olhos azuis. Há um ou outro bom momento na fita, mas é só. Mas, claro, a história é feita sob medida para pendurar-se na fama do casal principal.

Encontro Explosivo não tem a pretensão de ser um novo Missão Impossível ou um James Bond - fontes nas quais bebe indiscriminadamente - ou qualquer outra pretensão, na verdade. Bem feito apenas o suficiente para não ser ruim, é daqueles filmes que não se perde nada se for trocado por outro um pouco mais promissor.

Toy Story 3 (Toy Story 3)

2010-07-01T12:18:00.000-03:00

Que a Pixar está anos à frente dos demais estúdios de animação por computador é um fato sabido há tempos. Mas mesmo assim, ao ouvir que estavam planejando um terceiro Toy Story, muitos lembraram do fraco terceiro Shrek, pensando se não seria um movimento errado da Pixar. Os primeiros detalhes da história apareceram, mas não convenceram. E, ainda assim, eles conseguiram novamente. Arrisco-me a dizer que o terceiro é o melhor dos 3 Toy Story.

Claramente focado no público um pouco mais velho, mas sempre sem deixar de lado os pequenos, a história é forte no ponto certo, divertida e com a aventura de sempre. Tem uma ou outra cena de mais tensão, mas é um roteiro extremamente bem resolvido, que faz jus aos filmes anteriores e não deixa a dever para as últimas excelentes produções da Pixar. Apenas o uso do 3D que, como em Up, não encanta tanto quanto poderia.

O festival de referências está mais presente do que nunca, e o trabalho na personificação dos brinquedos é especialmente bom. Com o que já conhecíamos de Woody, Buzz e sua turma, eles conseguem aprofundar a forma como o relacionamento entre eles acontece, mesmo com a introdução de vários personagens novos. Lee Unkrich assumiu a direção de John Lasseter sem deixar a bola cair.

Numa avaliação puramente técnica, a alternância entre a aventura e o humor fazem com que o filme seja atraente o tempo todo, quase sem pontos baixos. O que marca mais uma vez aquela que é a principal característica da Pixar, o trabalho intenso de roteiro. Se você por acaso não assistiu aos outros, corra para a locadora mais próxima e corrija logo isso. E então não perca o terceiro.

O Golpista do Ano (I Love You Phillip Morris)

2010-06-25T10:28:00.000-03:00

Um filme que retrata a história real de um homem que viveu de pequenos e grandes golpes, com uma capacidade incrível de sempre fugir e se safar, até ser definitivamente preso. Não, não estamos falando de Prenda-me Se For Capaz de Steven Spielberg com Tom Hanks e Leonardo DiCaprio. Há uma outra informação que muda completamente o personagem principal: ele é homossexual. Apesar do mote ser praticamente idêntico, a história de O Golpista do Ano é totalmente diferente.

Além desse fator principal, este é dirigido por uma dupla e estreantes, Glenn Ficarra e John Requa. Ambos trabalharam até então apenas como roteiristas - e sempre em dupla - de filmes bobos como Como Cães e Gatos e sua continuação. E, apesar da presença de Jim Carrey e seus trejeitos, este não é só uma comédia. A dupla trabalhou bem, conseguindo um resultado honesto na primeira investida como diretores.

O que foi muito ajudado pelo elenco. Jim Carrey, como sempre em seus filmes com um pouco mais de drama, luta para controlar seus impulsos humorísticos, e consegue na maior parte do tempo. A participação especial do brasileiro Rodrigo Santoro é muito boa, mas o destaque da fita vai para Ewan McGregor. Como seus conterrâneos ingleses, Ewan atua com o corpo todo, exibindo trejeitos de liguagem corporal que tornam seu personagem - o Phillip Morris do título original - no melhor da história. E, ao contrário do que se pensaria considerando que o personagem é homossexual, ele consegue isso não pelo exagero, mas pela contenção.

A dupla de diretores - que também escreveram o roteiro - poderia ter apostado um pouco mais na força da história, que ainda leva muito para o humor. Ainda assim, é um filme interessante, que merece a atenção que chamou.

Cartas Para Julieta (Letters To Juliet)

2010-06-12T19:13:00.000-03:00

Contrariando o calendário, um drama/comédia romântico típico do Valentine's Day chegou a nós justamente no Dia dos Namorados. Cartas Para Julieta é a nova produção de Gary Winick, que fez De Repente 30, Charlotte's Web e mais recentemente a bobagem Noivas em Guerra. Neste, ele exercita melhor seus dotes de diretor, colocando na tela uma história realmente interessante por trás do conhecido e esperado "garota conhece garoto o no começo não se gostam mas depois se apaixonam". E tem também algumas, com o perdão do trocadilho, cartas na manga.

A primeira é a paisagem deslumbrante da Itália, bem aproveitada na urbana Verona e também no trecho road trip do filme, pelo interior do país. Cores vibrantes do verão local, reforçadas por um figurino igualmente alegre, tudo bem fotografado. A trama segue um bom ritmo, e Winick aproveita bem os minutos da fita para contar sua história.

Sua atriz principal é a já quase onipresente Amanda Seyfried, alternando entre o papel da doce donzela com o da quase vilã nos últimos filmes. Ela contracena com um Gael Garcia Bernal em uma ponta cômica, e um tanto exagerada, e com o inglês Christopher Egan, em uma atuação bastante decente. Mas sua segunda carta na manga é Vanessa Redgrave. Um dos grandes nomes do cinema mundial, com suas mais de cem produções no currículo, ela domina cada segundo em que aparece, e sem esforço. É sensacional vê-la grandiosa em um papel coadjuvante.

Apesar de casar bem com o calendário daqui - que foi propositalmente selecionado, causando o "atraso" de algumas semanas no lançamento nacional - também entrou no mesmo período de alguns grandes lançamentos, os blockbusters do verão norte-americano, fazendo com que perca um pouco da atenção. Não é exatamente o filme imperdível, mas é bem feito e merece o ingresso.

Fúria de Titãs (Clash Of The Titans)

2010-05-26T09:01:00.000-03:00

Praticamente todo jovem adulto de hoje assistiu a um dos maiores clássicos da Sessão da Tarde, a versão de 1981 de Fúria de Titãs. A história épica de Perseu e sua luta para salvar a Princesa Andrômeda encantou crianças nas suas várias reapresentações na TV, com sua animação no clássico stop-motion de Ray Harryhausen – sem mencionar os cenários e figurinos mambembes da época. A intenção de refilmar Fúria de Titãs foi recebido com uma rara euforia – remakes não costumam ser bem vistos de cara. Mas, afinal de contas, não seria de todo ruim sermos novamente encantados pelo potencial incrível que a tecnologia de hoje permite a um filme desse tipo.

As primeiras notícias animaram ainda mais os ansiosos cinéfilos. Louis Leterrier, responsável pelo último Hulk e pelo ótimo Cão de Briga, é um bom nome para dar vida ao projeto. Sam Worthington, o atual queridinho de Hollywood, poderia encarar um Perseu eficiente. A primeira notícia ruim veio nas primeiras imagens reveladas da produção: Perseu tinha o mesmo cabelo curtíssimo militar que mostrou em Avatar. E pior, no meio de todos os outros personagens com madeixas generosas, como era de se esperar na época. Pouco depois, a segunda bomba: depois de terminadas as filmagens, resolveram transformar o filme em 3D. Ou seja: ele não foi filmado no formato, foi convertido, e isso não dá nem de longe o mesmo efeito. Descobrimos depois que o roteiro passou por diversas mudanças – no sentido de mudanças demais para estar bem resolvido. E aí só nos restava esperar a estreia.

O elenco tem nomes muito bons, que incluem Liam Nesson, Ralph Fiennes, Pete Postlethwaite e Jason Flamyng, junto a algumas novidades promissoras como Alexa Daval. Há, certamente, bastante aventura. Na verdade, há talvez aventura demais. Além do visual anacrônico, a motivação que faz Perseu afinal ir à luta não fica clara. A participação da personagem Io ainda mistura mais as coisas, ora uma espécie de oráculo ora uma brava guerreira à altura dos melhores homens de Argos. Enfim, uma série de confusões que consegue fazer de uma história mítica algo inverossímil, mesmo para o cinema.

E, nesse ponto, desejamos que o remake propriamente dito fosse mantido. Talvez uma simples atualização, tentando ater-se ao máximo ao roteiro original, tivesse funcionado melhor. Não deixa de ser divertido e visualmente deslumbrante mas, especialmente para quem ainda tem alguma lembrança da Sessão da Tarde, parece que algo se perdeu.

Robin Hood (Robin Hood)

2010-05-21T08:57:00.000-03:00

Existem basicamente dois motivos para filmes uma história que já tem uma porção de versões: fazer muito melhor, ou fazer uma versão muito diferente. Mas, notem, diferente mas ainda a mesma história básica. Ridley Scott optou por uma terceira via, contar a história que acontece antes da história. Antoine Fuqua tentou algo parecido em 2004 com o seu Rei Arthur. O resultado de Scott é também parecido, um filme sobre um personagem conhecido em que ele está irreconhecível.

Praticamente nenhuma das características clássicas de Robin Hood está no filme, salvo alguns personagens – na verdade, seus nomes. Nenhum problema nisso por si só, é possível mostrar de forma interessante a construção de personalidade do herói. O problema é que não há a formação da sequência lógica que se imagina num caso como esse, aquela sensação de “Ah, então é por isso que ele é assim”. O Robin Hood de Scott é um truculento soldado sisudo. Ou, em outras palavras, é o Maximus Decimus. Inclusive interpretado por um desmotivado Russel Crowe. Sua atuação parece ainda pior quando comparada ao trabalho de Max von Sydow e Cate Blanchett que, mesmo sem o roteiro permitir, conseguem alguma profundidade nos seus personagens. E também são os únicos a demonstrar algum esforço.

O filme tem um ritmo terrível, quebrado e cansativo, e conta uma história inverossímil de forma fraca. De realmente bom na fita, só a fotografia sempre muito boa nas produções de Scott. Comparado com as duas últimas versões da história dos homens de Sherwood, que se diferenciam pelos sobrenomes “Herói dos Ladrões” e “Príncipe dos Ladrões” e são ambas bastante aceitáveis, a nova parceria Scott-Crowe perde de longe.

Querido John (Dear John)

2010-05-18T06:58:00.003-03:00

Nicholas Sparks é um escritor com um pé no cinema. Dos seus 16 romances publicados, metade foram ou estão para ser filmados. Na última adaptação já terminada, A Última Canção, ele arrisca também como roteirista. Sparks escreve bem, com bastante foco nos personagens e gosto pelos conflitos causados por problemas de saúde, psicológicos ou desastres que levem à separação do casal. O tipo de história que costuma das bons dramas no cinema. Assim são Diário de uma Paixão, Noites de Tormenta e Um Amor para Recordar. Querido John chega às salas quase junto com A Última Canção, mas aparentemente partindo para caminhos opostos em trabalho cinematográfico.

Querido John é um drama típico. Estudantes e interessados em cinema conseguem reconhecer facilmente cada parte do roteiro, seguindo cada ato e cada marcação, cada alto e baixo da história. E, por isso mesmo, conseguem reconhecer também uma assustadora perda de ritmo no final do segundo ato, a ponto de podermos praticamente suprimi-lo sem perda. Assustador porque estamos falando do diretor Lasse Hallström, que nos deu os ótimos Regras da Vida e O Vigarista do Ano, e os excelentes Gilbert Grape e Chocolate.

Ele apostou em um elenco variado para Querido John. A mais nova candidata a Namoradinha da América, Amanda Seyfried, está presente. Depois de despontar em Mamma Mia!, começou a aparecer pouco a pouco em cada vez mais filmes. Fez Garota Infernal, este e em breve volta às telonas em Chloe – aqui chamado O Preço da Traição – e em Cartas a Julieta. Alternando entre o doce/inocente e o forte, ela faz sua Savannah andar conforme o ritmo do roteiro – inclusive perdendo-o naquele terceiro quarto. Channin Tatum foi uma escolha quase arriscada para o John do título. Sua atuação pouco treinada casou bem com o papel do militar sisudo e distante, mas cai por terra nas cenas em que tem que demonstrar emoção de fato. A pequena salvação vem de Richard Jenkins como o pai limítrofe, um papel difícil que ele preenche sem esforço. O resultado final é um filme que parece ter sido feito como um passatempo despretensioso para a equipe. E é justamente assim que deve ser assistido.

Homem de Ferro 2 (Iron Man 2)

2010-05-09T08:22:00.002-03:00

Quando o primeiro Homem de Ferro foi lançado, ainda não se sabia dos planos da Marvel de, mais à frente, filmar Os Vingadores. Então as pequenas referências – e a grande referência final – foram recebidas com entusiasmo pelos fãs dos heróis ao redor do mundo. E o melhor: o filme, por si só, mesmo para quem não era familiar às referências, era excelente. De lá para cá, a história se confirmou, já sabemos quem será o Thor e o Capitão América. Fazer um segundo Homem de Ferro precisava ser mais do que pegar carona nos ganhos financeiros. E isso só se faz continuando muito bem a história.

E continuam tão bem que o fazem do exato ponto em que o anterior acabou, acrescentando as pitadas certas de novas informações e algumas surpresas. A dupla Jon Favreau e Robert Downey Jr. Está de volta, com a mesma forma do primeiro, em uma fita com nem tanta ação quanto se espera de uma continuação de filme de herói. A trama continua bem trabalhada e contada. Acrescente a isso uma estonteante Scarlett Johansson, um eficiente Mickey Rourke e um sarcástico Sam Rockwell. Uma pena que não conseguiram manter Terrence Howard como Rhodey – apesar de que a troca por Don Cheadle trouxe ganhos na atuação.

Tudo o que havia no primeiro está no segundo, melhorado. Especialmente o humor, bem trabalhado no Tony Stark narcisista de Downey Jr. Evitaram, felizmente, a mal afamada transcrição para 3D – quando não há filmagem com duas câmeras, mas uma conversão feita em computador, depois – e reforçaram os efeitos especiais. Com isso, conseguiram o fôlego necessário para esperar pelo ainda distante 2012, quando supostamente o filme dos Vingadores será lançado. Mas, se quiser ter um gostinho do que está por vir, como sempre na última safra de filmes da Marvel, não saia antes de terminar os créditos.

As Melhores Coisas do Mundo

2010-05-05T07:09:00.001-03:00

Há tempos os cinéfilos admiram o cinema europeu e, por consequência, o de alguns países que optaram por seguir o modelo, como a Argentina. A grande qualidade das produções desses lugares está na capacidade de contar uma boa história a partir de muito pouco, de um mote que, substancialmente, não pareceria interessante. Ou, em outras palavras, contar histórias tão cotidianas que precisam ser muito bem trabalhadas para gerarem bons filmes, diversas vezes a partir de quase nada. Quando o Brasil optou por utilizar o cinema como veículo de conscientização social, expondo suas mazelas no afã de comunicar com um público que, na prática, não é o que entra nas salas para esse tipo de filme, perdeu a chance de entrar com o pé da arte no cenário mundial – entrou sim, mas aos solavancos. Felizmente, já a alguns anos, surgem vez por outra iniciativas que valem-se do princípio de simplesmente contar bem uma história, que pode ser a de qualquer um.

As Melhores Coisas do Mundo é um desses casos. Pelas mãos de Laís Bodansky, que nos deu a pérola Bicho de Sete Cabeças e, recentemente, o Chega de Saudade que é também representante da vertente que citei acima. Ela coloca na tela a história de um adolescente. Nem rico, nem pobre, mas de uma classe “média média” que raramente se encontra na ficção. Com as dúvidas e comportamentos típicos de um adolescente, e problemas também – exceto por um, não tão típico, mas que não é o centro da trama. O centro, aliás, é nada mais do que um retrato de um período curto de tempo na vida de Mano.

E isso funciona como um bom filme? Se for bem feito, como é o caso, sim. Nada de conflitos épicos, nada de problemas sociais, apenas uma história capaz de nos tocar a todos. Porque, não importa quais as diferenças entre as nossas vidas e a de Mano, quase todos fomos adolescentes com as mesmas dúvidas, comportamentos e problemas. Não é um filme de atuações espetaculares. Francisco Miguez, o protagonista Mano, ainda precisa de algum trabalho, e também o seu irmão na trama, o ídolo teen brasileiro do momento Fiuk. Grandes nomes como Denise Fraga e José Carlos Machado, os pais de Mano e Pedro, são coadjuvantes no filme da mesma forma como os pais devem se sentir na vida dos filhos jovens. A turma da escola como um todo segue a mesma qualidade.

Mas, ainda assim, há um quê de documentário. Se não pelas atuações, mas pelos acontecimentos. Nada de muito trágico – exceto pela visão dos próprios adolescentes – acontece. É um retrato que poderia muito bem acontecer ao seu filho. Retiradas as referências tecnológicas que só hoje são possíveis, poderia ter acontecido a você. E é nas lembranças, ou na relação íntima que conseguimos rapidamente fazer com Mano e sua turma, que o filme se sustenta. É excelente vermos As Melhores Coisas do Mundo não só no circuito comercial, mas com bons números e expressão na mídia. É um sinal de que, ao menos no cinema, estamos amadurecendo.

Alice no País das Maravilhas (Alice in Wonderland)

2010-05-01T08:58:00.003-03:00

Quando os primeiros boatos sobre uma versão de Alice no País das Maravilhas a ser filmada por Tim Burton saíram, cinéfilos do mundo todo refestelaram-se. É, afinal, um encontro ao qual se pode dar a rara qualificação de “mais-que-perfeito”. Depois do desenho da Disney e das várias versões filmadas – a maioria motivo de vergonha alheia – a história fantástica mais conhecida do mundo merecia um filme à altura, e ninguém melhor para levar os devaneios de Lewis Carrol apropriadamente para a telona que Burton. O boato virou notícia, as primeiras imagens começaram a aparecer, então os trailers, tudo ótimo, tudo parecendo levar ao que esperávamos que íamos ver. Entendemos que não seria, afinal, a história original – ou uma mescla dos livros Alice no País das Maravilhas e Através do Espelho, como grande parte das produções anteriores – mas sim uma espécie de continuação, uma Alice mais velha voltando a Wonderland.

E, de fato, o Alice de Burton é tão fantástico quanto se esperava que fosse. Colorido quando se deve, sombrio quando convém, com o ritmo que o diretor sempre consegue segurar, e mesmo aplicando muito bem os efeitos digitais que ele sempre evita – mas que aqui são indispensáveis. O elenco, então, não poderia ser melhor. Os eternos parceiros Johnny Depp, como Chapeleiro Maluco, e Helena Bonham-Carter como a Rainha Vermelha – e que na verdade tem os trejeitos da Rainha de Copas – estão excelentes. Mia Wasikowska desponta com Alice, especialmente contracenando com tantos nomes bons. E nos personagens animados, dubladores de peso – Stephen Fry como o Gato de Cheshire, Michael Sheen como o Coelho Branco e Alan Rickman como a Lagarta, entre outros bons nomes. Tudo isso bem comandado.

Mas, apesar dessas várias qualidades, e apesar mesmo de ser difícil apontar defeitos verdadeiros – deixando de fora a utilização do 3D, que não é das melhores – falta algo. O roteiro tem os traços característicos de Burton, mas tem também aquele “ranço” Disney, que algumas vezes tolhe o potencial de uma história. É isto, possivelmente, o que nos incomoda, as concessões que o diretor fez à produtora, tudo o que foi retirado e evitado. Ficamos com uma sensação de que faltou “mais Burton”.

Aconteceu em Woodstock (Taking Woodstock)

2010-04-28T21:30:00.002-03:00

Assistir um filme de Ang Lee é quase sempre uma surpresa. Desde que ouvimos seu nome então muito pouco conhecido como escalado para comandar uma adaptação de Jane Austen, Razão e Sensibilidade, estranhamos a escolha de um asiático para uma história tão inglesa, mas o resultado ficou bom, e passamos a prestar mais atenção. Ele fez mais dois filmes “ocidentais” antes de voltar às suas origens – e também de voltar a despertar a nossa admiração com O Tigre e o Dragão, que é excelente. Ele ainda foi escalado para a iniciativa The Hire da BMW, e escolhido para o primeiro – e não muito elogiado – Hulk, e então nos entregou o excelente Brokeback Mountain. Recentemente, voltou aos holofotes com o belo Desejo e Perigo.

Aconteceu em Woodstock tem a assinatura de Lee, uma assinatura que é difícil de perceber. Ele dirigiu esta história dos bastidores do mais famoso festival de música de forma bastante compassada, evitando inteligentemente tudo o que se pensaria ver em um filme sobre a ocasião – não há uma imagem sequer de um show ou de um artista, e o palco em si é mostrado apenas na distância – grande – em que é vista pelo protagonista. A única imagem típica é o famoso banho de lama, que só aparece por ser um dos únicos acontecimentos lembrados do festival do qual Elliot participa.

Lee também acertou na escolha de atores, equilibrando nomes desconhecidos em papéis principais com atores famosos como coadjuvantes. Assim temos artistas como Eugene Levy, Imelda Staunton, Emile Hirsch, Paul Dano e Geoffrey Dean Morgan em participações especiais ótimas, enquanto a cena pertence mesmo a Demetri Martin no papel principal do jovem Elliot, que pescou a oportunidade e trouxe o festival à pequena cidade em que seus pais tinham um pouco frequentado hotel. O estilo de direção de Ang Lee é capaz de tirar atuações bastante contundentes, e podemos ver o efeito aqui claramente, especialmente nas pontas feitas pelos coadjuvantes.

Com tudo o que já foi dito e mostrado sobre o Festival de Woodstock, este filme preenche o espaço que ainda havia para o assunto: como a pessoa responsável pelo festival acontecer onde aconteceu viveu o momento. É um filme interessante, engraçado e bonito, sem precisar apelar para nenhum truque. Apenas uma história que poucos conhecem.

Como Treinar Seu Dragão (How To Train Your Dragon)

2010-04-09T20:49:00.002-03:00

À época do primeiro Shrek, a Dreamworks disputava o posto de melhor estúdio de animação por computador. Essa época já passou – a Pixar deixou todos bem para trás há algum tempo – e agora a Dreamworks luta para ser a melhor depois da Pixar. Como Treinar Seu Dragão é um passo bem dado rumo ao objetivo. Mas para chegar lá eles usaram de alguns artifícios, digamos, não tão legais. De cara, temos uma história que remete a vários roteiros trabalhados e retrabalhados pela Disney – e eventualmente pela própria Pixar: um personagem central deslocado do seu ambiente social encontra o seu “caminho de volta” ao associar-se com um outro personagem que, inicialmente, é justamente o oposto do que o que deveria ser buscado. Parece familiar?

Então vamos para a segunda similaridade, os diretores. A dupla Dean DeBlois e Chris Sanders dirigiu uma das melhores animações da Disney dos últimos anos, Lilo & Stitch. Que, por sinal, usa exatamente o mote acima. E mais: o dragão que o personagem descolado vai treinar lembra, e muito, Stitch. Na fisionomia e também no comportamento. Ok, agora que eu escrevi isso, você que ainda não assistiu, quando assistir, só vai ver o Stitch no meio dos vikings.

Mas, verdade seja dita, temas de animações podem, de forma geral, ser resumidos a três ou quatro motes básicos. Importa mais a forma que o conteúdo. E a forma aqui está, sim, muito boa. O desenho dos personagens é bom, e a qualidade da modelagem é excelente, conferindo personalidade às vastas barbas vikings tanto quanto aos modos adolescentes dos personagens juvenis. As sequências de ação foram bem trabalhadas, e bem moduladas com o drama+comédia característico, em um ritmo que funciona direitinho.

E, além de todos esses aspectos técnicos, há o que realmente importa para o público: é divertido. Bem mais que o médio Monstros x Alienígenas que o antecedeu, e mesmo que o terceiro Shrek. Depois de uma sequência complicada da Dreamworks, em que continuações não funcionaram bem, e novos títulos tampouco, é um alívio para a companhia de Spielberg.

Chico Xavier

2010-04-06T07:48:00.002-03:00

Biografias são peças difíceis de serem criadas. Há pouco espaço para se falar da vida de personalidades sempre interessantes o suficientes para merecerem uma. Cinebiografias, assim, são ainda mais complexas, pois o espaço é sensivelmente menor. Por isso, quando bem feita, resulta em um filmaço, partindo para o lado oposto com praticamente qualquer deslize. Nesse tipo de história, escrita ou filmada, faz-se concessões e cortes, mas sempre visando dar um retrato mais ou menos fiel da pessoa, normalmente cobrindo aspectos que poucos conhecem. Foi assim com a história de Ray Charles, que mostra o conflito entre o sucesso na carreira e desabamento pessoal pelas drogas; com João Estrella e a mistura do rapaz bem educado e carismático com o tráfico; Charles Chaplin, entre o seu cinema, suas mulheres e sua figura política. Nos bons exemplos, sempre há algum aspecto não muito engrandecedor mostrado.

O filme sobre Chico Xavier não vai por esse caminho. Sofre do problema das cinebiografias ruins, que é passar um retrato caricato da personalidade mostrada. Faz a péssima opção pelo maniqueismo nada disfarçado, mostrando uma pessoa que parece uma princesa saída de um roteiro ruim recusado pela Disney, com sua candidez e bondade inimagináveis. E basta uma pesquisa rápida para sabermos que nem mesmo Chico Xavier foi assim. Deixaram convenientemente de lado, por exemplo, pedaços do início da "carreira" de Chico em que ele participava com outros médiuns de sessões que mais lembravam um show de ilusionismo, com truques que incluiam jogos de luz e espelhos e fumaça, o que impressionava facilmente as comunidades carentes que eles também convenientemente escolhiam para estar. Ao contrário do que possa parecer, abordar momentos como esse não tiram a dignidade do retratado. Ao contrário, possivelmente mostrando mais humanidade consegue-se criar uma ligação ainda mais forte com o sentimento que se quer despertar nos espectadores.

Como peça cinematográfica, à exceção dos deslizes de roteiro, é um bom filme. A opção de pontuar a história com a entrevista de Chico no programa Pinga Fogo, por exemplo, é excelente. Há algumas atuações muito boas, como a do menininho que faz Chico criança, e Luís Melo como seu pai. Angelo Antônio e Nelson Xavier preocupam-se muito em não torná-lo muito caricato quando, na verdade, ele era - o que fica em claro nas ótimas cenas reais do programa mostradas ao final. Algumas participações femininas muito boas foram infelizmente pouco utilizadas.

O filme foi feito não para prestar uma homenagem a Chico Xavier, mas sim para perpetuar a aura mística que sua vida criou - ou seja, pouco mais que truques para uma comunidade carente um pouco maior. Havia mais a se falar dele e, repetindo, coisas que provavelmente ajudariam a torná-lo uma figura ainda mais interessante. Afinal, ele escreveu mais de 400 livros. Se foram ou não ditados a ele, não importa, é uma produção mais vasta do que a maior parte da população brasileira vai ler em toda a vida. Optar pela tendenciosa forma de mostrá-lo como um santo só nos afasta do homem extraordinário que ele certamente foi.

Ilha do Medo (Shutter Island)

2010-03-26T20:38:00.003-03:00

Martin Scorcese e os cinéfilos têm um caso de amor e ódio. Ele é inegavelmente um dos maiores diretores, e no seu currículo estão peças primordiais da sétima arte como Touro Indomável, Taxi Driver, Os Bons Companheiros, para citar apenas os mais famosos. Sua produção recente tem altos e baixos, alternando entre o muito bom e o regular. Ilha do Medo se enquadra nesta última categoria, apesar da produção bem trabalhada e das atuações convincentes.

Ilha do Medo sofre de um mal gravíssimo no cinema: roteiro. E que é agravado por alguns deslizes de direção também, como uma das cenas iniciais em que o protagonista chega à ilha e uma música sinistra alta toca com claro intuito de provocar o suspense. A música é totalmente desnecessária ali, tanto que mais à frente uma cena parecida fica muito melhor pelo silêncio angustiante. A trama deveria nos manter altamente interessados o tempo todo, mas lá pela metade do filme já conseguimos imaginar o final – embora esperemos que não seja tão óbvio quanto estamos pensando.

O elenco segura um pouco o filme, com participações muito boas de Bem Kingsley, Max Von Sidow e Mark Ruffalo, e pontas excelentes de Elias Koteas e Jackie Earle Haley. Mas é justamente o ator principal, Leonadro DiCaprio, que “conta” a história antes do final com sua atuação exagerada do começo ao fim – no final ela seria até justificável, mas matou o suspense já começando assim. O filme tem, sim, algumas qualidades, e vale o ingresso. Mas esperávamos mais de Scorcese.

Zumbilândia (Zombieland)

2010-03-20T19:28:00.002-03:00

Zumbis são o tema clássico dos filmes de terror B, daqueles com baixo orçamento - e que gastam praticamente tudo em sangue falso. Saber então que há uma produção com zumbis cuja primeira classificação é comédia é um convite a pelo menos conferir o que resulta dessa tentativa no mínimo ousada. Zumbis podem ser engraçados? Podem. Na verdade sempre foram, mesmo quando é só terror mesmo - mas no caso normalmente são engraçados de mal feitos. Aqui, a graça não está nos zumbis, mas sim nos sobreviventes.

Ao invés do típico herói briguento e da mocinha desamparada, temos um nerd e uma garota que não precisa de ninguém para salvá-la. Mas como um nerd sobrevive a ataques de zumbis? Ele mesmo explica, naquilo que é o maior charme do filme: as 32 regras para sobreviver na Zumbilândia. A edição valoriza esse atributo, lembrando-nos sempre de que as regras existem para ser seguidas à risca, quase sempre. Então as interferências de caracteres que acompanham o pensamento do personagem principal quase sempre são acompanhadas de risadas.

O nerd é o promissor Jesse Eisenberg, bastante natural no papel que já fez outras vezes. Acompanham-no a bela Emma Stone, e os dois rostos mais conhecidos da fita, Woody Harrelson e a menina prodígio Abigail Breslin. Dois? Não, é preciso citar a pequena mas muito especial participação de Bill Murray representando a si mesmo em um papel hilário.

Comandando a turma está Ruben Fleischer, colocando sua primeira marca notável no currículo. Apesar de ser ritmado pelo humor, o terror também está presente, portanto convém não convidar crianças pequenas a assistir. A mistura, aliás, ficou muito boa para quem está disposto a sofrer alguns sustos alternados com a comédia. Uma pena que não chegamos a ver as 32 regras. Não chega a ser um ótimo filme, mas é certamente divertido.